GPS SONORO

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Blick Bassy canta en bassa, una de las 260 lenguas que se hablan en Camerún y que hoy se encuentra en peligro de extinción. Combina sus raíces africanas y reformula diferentes ritmos de su país, con influencias del blues y de otras fuentes, mezclando lo ancestral y lo contemporáneo. Su inconfundible voz, estilo, su atención al detalle y su combinación exquisita de banjo, guitarra, cello y trombón (ahora incluye efectos y teclados) producen un bellísimo resultado, original y muy personal, que cautivan a una audiencia transoceánica.

En su último trabajo 1958 (2019) rinde tributo a uno de sus héroes políticos: Ruben Um Nyobé, líder anticolonialista que se dirigió al Mundo desde Naciones Unidas reclamando la independencia de Camerún (una de las más sangrientas de África), y que fue asesinado por las fuerzas militares francesas en 1958. Un disco con temas tan universales como la esclavitud, la necesidad de héroes, la relevancia de la historia y la búsqueda de la verdadera identidad.

El álbum repasa la historia de Nyobé, en paralelo a la de sus propios padres, que tuvieron que esconderse de las fuerzas francesas en la selva tropical. Bassy cuestiona, en este álbum, a la juventud camerunesa y a cómo se han olvidado de la historia y dejado seducir por las falsas promesas de Occidente, advirtiendo de problemas arraigados en el continente (como el alcohol) y acusando a las y los cameruneses modernos de sabotear a su propia patria. Se trata de un disco con un aviso claro, encendido y enfático pero cuyo poder reside en el contraste y el influjo de la belleza y la dulzura de la composición musical.

Blick Bassy destella luz sobre mensajes enojados en un álbum que pretende sacudir a la juventud africana, en un anhelo de retomar los temas pendientes y hacer justicia a los abuelos y abuelas que llevaron África a las emancipaciones nacionales.

01. Ngwa
02. Nguiyi
03. Kundé
04. Woñi
05. Mpodol
06. Lipém
07. Sango Ngando
08. Maqui
09. Pochë
10. Bès Na Wé
11. Where We Go

Тюргэн Кам, Chamán Chelyabinsk , cantante , músico , intérprete de varios estilos de canto de garganta . Canta canciones nacionales de tuva , altaios , buriatos y mongoles mezclano tradicion y electrónico moderno. Toca varios instrumentos musicales étnicos, incluyendo morinhur , topshulur, hese ( pandereta chamánica), varias variedades de vargan , khomus y flautas indias Pimak.

1. Легенда
2. Энесай (Ahoi)
3. Самагалдай
4. Моя тайга
5. Тимуджин
6. Шаман
7. Стрелы шамана
8. Песня деда (Jim Pavloff bootleg)
9. Легенда (trance house mix)

Pensado en Casablanca, concebido en París y grabado en Berlín, Daba el nuevo álbum de Oum transpira la experiencia de una artista, marroquí, africana pero sobre todo una mujer del mundo. Daba ('Ahora' en árabe) es un recordatorio urgente para actuar sobre ciertas cuestiones fundamentales: la naturaleza amenazada, el destino reservado para los migrantes, la condición de la mujer, pero también una exhortación a vivir plenamente en el presente.

Después de la experiencia sahariana que dio a luz a Zarabi (2015), fueron sus viajes y reuniones los que le proporcionaron el material para su tercer álbum. Para Oum, este "ahora" se refiere al momento particular de la gira, que combina viajes e intercambios constantes, tantas experiencias que enmarcan el breve e intenso momento del concierto.

Daba means 'Now' in Moroccan. Giving this title to her third album is, for Oum, all about linking yesterday's experience to the one determined by the present moment. In this 'now', the singer, having achieved a certain artistic maturity, is able to mix traditional Arab and Sahraoui elements with discreet borrowings from more contemporary aesthetics soul, jazz and electronic trance. Originally from Casablanca, Oum El Ghaït Ben Essahraoui seemed destined to become an architect but then decided to embrace a career in music. She quickly drew the attention of the media, who identified her with the Nayda, a movement of young Moroccans attracted by more urban sounds. She began to write in darija, the everyday dialect of Moroccan Arabic. After Soul of Morocco in 2013 and Zarabi in 2015, with Daba, her third album, Oum reaches a new milestone. Entrusting the artistic direction to the Palestinian poetess, singer and oud player Kamilya Jubran, she went to Berlin with her musicians to make a record that was both atmospheric and danceable. For Oum, this dual aim reflects a sort of state of emergency, one that she describes as dynamic : to be together and share good times is all the more urgent now that the means of communication and transport tend to radically reshape one's experience of the world and of the other. The orchestration on Daba remains generally acoustic, but, for the first time, certain electronic sounds adorn the songs, as if to echo the more contemporary dilemmas reflected in her lyrics; the threat to Nature, the fate of migrants, the status of women, but also an exhortation to live fully in the present. With such themes, Oum positions herself as a Moroccan, an African and a woman of the world who is convinced that cultural barriers are less weighty than that which brings us together. On Daba, Oum is accompanied by Yacir Rami (oud), Damian Nueva (bass), Camille Passeri (trumpet), Carlos Mejias (saxophone & sound design) and Amar Chaoui (percussions). DABA (NOW) - "A MOMENT OF ELEGANCE, THE MOST BEAUTIFUL OF BREATHING-SPACES" - LE MONDE

1 Fasl 4:30
2 Chajra 3:29
3 Temma 4:07
4 Daba 3:43
5 Rhyam 5:36
6 Jnan (Interlude) 0:46
7 Kemmy 3:22
8 Mezzinelli 4:21
9 Ha 3:24
10 Yabhar 5:03
11 Laji 4:44
12 Sadak 6:36

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La voz suave y los sonidos fluidos de la kora del griot senegalés Ablaye Cissoko, combinados con el setar, la percusión y la viola da gamba de Constantinople, nos sumerjen en un maravilloso viaje interior, pintando un fresco contemporáneo en la encrucijada de las tradiciones musicales persas y mandinga.

Después de 20 años en el camino y casi tantos álbumes, el grupo Constantinople, formado en 1998, continúa sus exploraciones musicales. El fundador, de origen iraní, Kiya Tabassian se acompaña con el setar persa. Su voz se mezcla elegantemente con las percusiones de su hermano, Ziya Tabassian (reemplazado más recientemente por el percusionista de Montreal Patrick Graham) y la viola da gamba de Pierre-Yves Martel. Su fraseo oriental se entrelaza con la kora de Ablaye Cissoko, con quien han participado en más de 100 conciertos y grabado dos álbumes, Jardins Migrateurs (2015) y Traversées (2019).

La fusión entre el misticismo del desierto africano y los poetas de los antiguos imperios persas resulta casi natural. Con sede en Saint-Louis, una bonita ciudad colonial ubicada a orillas del río Senegal, Ablaye Cissoko es heredero directo de los griots Mandinga. Desde 1986 ha sido un buscador en el mundo experimentando en diversas colaboraciones y, en particular, con el trompetista alemán afincado en Nueva York Volker Goetze, creando su propia escuela de kora, "Kordaba".

Desde "Rêveries" hasta "Traversées", Ablaye Cissoko y Kiya Tabassian señalan todos los movimientos, todas las salidas ("Départs") hacia Isfahán, Irán ("Vers Isfahan"). En ese viaje, visitan la poesía del místico sufí Amir Khusrau, pasando por perlas de la España renacentista en "Recercada Quinta", una pieza majestuosa decorada con acentos barrocos donde la viola da gamba marca el adorno más encantador.

La suavidad de su timbre, la delicadeza de sus líneas melódicas y la fluidez de su digitación son la base del virtuosismo de Cissoko. El simple encuentro de cuerdas y voces entre Constantinople y Ablaye recuerdan a las fuentes de la belleza del ser. A continuación, el cruce conjunto de los lugares comunes de la imaginación suenan como un largo suspiro frente a la marcha inexorable de la vida y del tiempo. Sublimes.

01. Traversées
02. Denkilo
03. Rêveries
04. Maryama
05. Départs
06. Kailen
07. Recercada Quinta
08. Djotna
09. Serigne-Bi Signare
10. Tamalà
11. Alkalo
12. Vers Isfahan

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La cantautora argelina Souad Massi, trovadora norteafricana por excelencia (y una de sus mejores de todos los tiempos) lanza su sexto trabajo, Oumniya (2019), un tributo a la mujer a través de las emociones, desde las propias hasta las universales, producido junto a Mehdi Dalil.

Oumniya es un álbum intensamente personal. Varias de las canciones seleccionadas evidencian momentos y emociones de su propia vida. Pero también reflejan su compromiso y esfuerzo por rescatar unos valores con los que siempre ha estado comprometida a lo largo de su carrera y en su vida personal como mujer, alzando la voz para combatir las violencias que han experimentado las mujeres. Y, también, siendo parte de aquellas y aquellos que buscan un nuevo camino: un sendero hacia la independencia y el derecho a la dignidad, llena de calidez e integridad humana, lo que la convierte en una artísta tan única.

Desde su profundo anhelo de conectar, sus elecciones musicales son puras, intentando crear un puente entre el chaâbi y la música folk. Souad nos invita a experimentar con ella la fuente de su crecimiento musical, teñida por su auténtica alianza con la diversidad. También busca, con este nuevo proyecto, encontrar un retorno a sus interpretaciones musicales: instintivas y libres de cualquier conjunto de metas. En Oumniya encontraremos canciones con vida propia, por encima de categorías y géneros impuestos.

01. Oumniya
02. Yadra
03. Ban Koulchi
04. Enta Wena
05. Salam
06. Pays Natal
07. Je Veux Apprende
08. Fi Bali
09. Wakfa
10. Je Chante

El veterano cantautor de la Kabilia argelina ha reunido a un buen grupo de amigos (Karen Matheson, Manu Chao, Zabda, Geoffrey Oryema, Maxime Le Forestier, Brahim Izri, Gnawa Diffusion...) para retomar algunas de sus primeras canciones -o, eventualmente, las de sus invitados- y darles un nuevo tratamiento. El resultado es espléndido. Idir, que se proclama doblemente minoritario -argelino en Francia, bereber en Argelia-, se ha adentrado en el terreno de los demás, y los demás se han aproximado al suyo. Las identidades culturales que dan título al disco se entremezclan y ganan con el mestizaje. Oír a Maxime Le Forestier cantar su San Francisco en bereber ("Comparto con él la pasión por Georges Brassens", comenta Idir) resulta un sorprendente privilegio. Muy interesante también la incursión lingüística de Manu Chao por el otro lado del Estrecho. Karen Matheson, la solista de Capercaillie, da un muy buen contrapunto a Idir en su nueva y modernizada versión de A Vava Inouva, pero la gran cantante escocesa no se atreve con el bereber -tararea, sin más-https://es.wikipedia.org/wiki/Idir

1 A Vava Inouva 2 4:25
2 A Tulawin (une algérienne debout) 6:02
3 Un homme qui n'a pas de frère... 4:14
4 Exil 3:48
5 Tizi Ouzou 4:30
6 Révolution (Tagrawla 2) 4:17
7 Fable (Tamaçahuts 2) 5:22
8 Illusions 3:33
9 Le jour du don (Tiwizi 2) 3:58
10 Mémoires 6:08

Los Paraguayos es un grupo musical formado por músicos paraguayos . Desde su fundación en la década de 1950, el grupo ha presentado a muchos cantantes y músicos, tocando guitarras, tambores de bongo y un arpa paraguaya, incluidos Luis Alberto del Paraná , Reynaldo Meza, Ángel "Pato" García y Carlos Espinoza. El grupo interpreta muchas melodías y canciones sudamericanas y mexicanas , incluidos clásicos, como Guantanamera , El Cóndor Pasa y La Bamba . Después de haber tenido muchos cambios en su formación, el grupo ha conservado su popularidad, vendiendo muchos álbumes y apareciendo en muchos conciertos en todo el mundo. En 2007, Los Paraguayos realizó una gira mundial, incluyendo apariciones en los Países Bajos e Israel .

A1 Magdalena 2:56
A2 Canción de Orfeo 2:59
A3 México 3:55
A4 Maria Elena 2:07
A5 Te quiero mucho 3:30
A6 Caballito Blanco 2:27
A7 Malagueña 3:23

B1 Cuando el sol brilla 2:50
B2 Ramona 2:55
B3 Errante 3:01
B4 Solitario polka 2:15
B5 engaño 2:41
B6 Bésame 3:33
B7 Amor, Amor 3:12

The Schäl Sick Brass Band started out as an alternative, multi-culti Cologne Carnival band ten years ago. With its offbeat style of world music, the band has since developed into one of the most exciting German music groups.

The "musical world theatre" (Sueddeutsche Zeitung) rides on the breeze of delightfully fresh and versatile "collective-blowing" in the spirit of "think global - blow local," supported by a rhythm section consisting of tuba, drums, percussion and guitar or Waldzither, that "grooves like hell" (Gitarre & Bass). After about 500 concerts at home and abroad - in Bavaria and Istanbul, in Morocco and Madrid, in Cologne's Carnival and concert halls, in Oetztal and Rimini, in Prague in springtime, in Budapest in autumn, in Ljubljana and Greece in summer - the journey continues. It's a journey that uses the simple language of music to contribute to a better intercultural understanding…"this is gloriously polycultural stuff" (Folkroots, UK).

1 Folkesongen 3:07
2 Alkusanat 3:09
3 Ani Mori Nuse 3:26
4 Prasti 4:03
5 Ajdejano 4:21
6 Vackra Fågl 4:39
7 Halay 4:29
8 Tsivaeri 4:33
9 Ruken Bairisch 3:42
10 Kling Klang 3:06
11 Paul seine Hühner 1:45
12 Sazeno 3:43
13 Magyaros 3:17
14 Allt Under Himmelens Fäste 5:24

The Seamus Eagan Project release Early Bright on January 17th. The launch will be at the 2020 Celtic Connections in the Glasgow Royal Concert Hall in the evening concert (with Breabach). This tells you all you need to know about the regard with which the Seamus Egan Project is held.

Egan is a multi-instrumentalist; on this album he plays banjo, guitar, whistles, mandolin, keyboard and percussion. He was a founder member of Irish-American band Solas, has scored a range of films and inspired a variety of musicians through his skills and inventiveness. For twenty years he helped keep Solas fresh, through various membership changes and in its drawings from Irish music.

Solas have taken a break (of indeterminate length) and The Seamus Egan Project, then, is Egan’s latest incarnation. As you’d expect, the music is based on the sound of Irish tradition. However, this is an album of new music, Egan has written eight of the ten tracks himself.

The album opens with ‘Early Bright’, its delicate piano waking you into the album like the soundtrack a film maker would put to someone waking and stretching to a bright dawn sky. Then 6 Then 5 ’segues from this into a delicate banjo (yes, really), the up-beat Irish rhythms pushing the track on. The tune in ‘Welcome to Orwell’ (I have no idea what the title means, though there is a town of that name a few hundred miles from Egan’s birthplace) is driven by Egan’s low whistle and some delicate playing behind them. The album then bounds, fittingly enough, into the dexterity of ‘B Bump Bounce’ which you can see on the video below. ‘Tournesol’ combines the whistle of the former with the energy of the latter.

‘Everything Always Was’ has a more haunting opening before progressing to a guitar led tune you could’t help but chill out to. ’52 Hertz ’has a similar feel. ‘Simon Nally Hunt The Buck’ somehow manages to be a lovely Irish tune while bringing in a sense of the mediaeval, dancing along in the middle until a final delicately picked ending. The album closes with ‘Under The Chestnut Tree’, calm and somnolent, a neat bookend to the opening track.

The Seamus Egan Project has a number of renowned musicians playing with Egan: Kyle Sanna (guitar, piano), Owen Marshall (bouzouki, harmonium), Moira Smiley (piano accordion), Joe Phillips (double bass) and additional depth from The Fretless String Quartet. They combine to create a set of finely-crafted tunes on Early Bright.

1 Early Bright 1:15
2 6 Then 5 4:47
3 Welcome to Orwell 5:17
4 B Bump Bounce 4:52
5 Everything Always Was 4:34
6 Simon Nally Hunt the Buck 4:55
7 Tournesol 5:57
8 52 Hertz 6:10
9 Two Little Ducks 2:26
10 Under the Chestnut Tree 3:05

Moh ! Kouyaté se lance dans un nouveau projet qui a tout du défi : remettre sur le devant de la scène internationale la musique moderne guinéenne. Pour y parvenir, le chanteur guitariste a rassemblé autour de grands noms tels celui de Sekouba Bambino, des jeunes talents du pays, chanteurs et instrumentistes, et composé tout spécialement un répertoire auquel s’ajoutent quelques grands classiques réarrangés de l’âge d’or des orchestres de Conakry.
Depuis son arrivée à Paris en 2007, Moh ! Kouyaté a imposé sa marque de fabrique, une esthétique du croisement où il malaxe afro-pop et afro-beat, flirte avec la pop et le groove, comme sur son hit “T’en va pas”, sans jamais oublier ni son patrimoine mandingue ni le blues qui ont façonné sa personnalité … Ce guitariste surdoué et chanteur polyglotte creuse ainsi un singulier chemin – afro pop ? blues mandingue ? funk rock ouest africain ? … à chacun sa définition –, une formule rétive aux formats prédéfinis qui trouve son écho dans ses mots, des ondes positives pour bâtir un art de vivre ensemble.
C’est de cette oreille qu’il faut écouter ce nouveau projet qu’il a en tête depuis un bail. Nom de code : Guinée Music All Stars, pont entre les générations, afin de remettre en lumière la musique guinéenne. Moh ! entend faire partager son expérience et démontrer le caractère ô combien vivace de la scène actuelle de Conakry, tout en honorant les grands pairs qui ont rayonné en Afrique et au-delà.
Nul n’a oublié le Bembeya Jazz, Bala et ses baladins, deux orchestres mythiques dont il reprend une partie du répertoire, transfiguré par de nouveaux arrangements. Au diapason de ses intentions artistiques, Moh ! Kouyaté a surtout composé un répertoire total mandingue qui allie, comme les aînés, puissance rythmique et pertinence mélodique.
À ses côtés, le charismatique porteur du projet réunit une diversité de talents, émergents ou confirmés, électriques ou acoustiques, qui forment la richesse de la Guinée : des guitares et des claviers, une basse et une batterie, mais aussi le terrible balafon, la noble kora et le subtil ngoni.
Et deux chanteurs : Sekouba Bambino, “la plus belle voix d’Afrique, un timbre reconnaissable entre tous”, et Petit Kandia, le porte-parole de la nouvelle génération griottique. Des invités les rejoindront au micro, comme la diva Adama Kouyaté et le rappeur au swing élastique Phaduba, sans oublier la voix d’or de Mory Kanté…
Dans le fertile sillon des aînés, Moh ! combine novation et tradition, éternelles chansons d’amour et textes qui s’inscrivent dans le terrain d’une actualité difficile pour tous, notamment la jeunesse.
Sur Sewa – la joie - il nous fait ainsi danser en pansant les plaies qui gangrènent la Guinée depuis trop longtemps. C’est à ce prix, celui de ne rien oublier, le meilleur comme le plus rude, les leçons du passé comme le son de demain, que la Guinée retrouvera la place qui fut la sienne, à l’épicentre du jeu.
Jacques Denis

Sêwa
Koun Feko
Clandestine
Anou Djeli

Un cuento de hadas moderno del Cáucaso. La polifonía georgiana tradicional realizada suavemente por cantantes femeninas. Sus voces mágicas, como corrientes que bajan de las montañas, penetran en el corazón ...

En 2014, tres encantadoras chicas de Georgia "explotaron" la World Wide Web y se convirtieron en estrellas. Este "cuento de hadas" comenzó el día en que tres amigos, durante un paseo por el pueblo, decidieron cantar una canción. Tatuli hizo un video propio y lo subió a Internet. Este video cambió dramáticamente la vida de las niñas. En dos semanas, el video fue visto por una audiencia multimillonaria.

La popularidad de "Trio Mandili" está creciendo cada día. Hoy el grupo tiene alrededor de un millón de suscriptores en Facebook. Fans de todo el mundo observan las creaciones de las chicas con interés en la página de Facebook "Trio Mandili". El nombre del grupo no fue elegido por accidente. Mandili es un tocado femenino con forma de bufanda. Tradicionalmente, las mujeres arrojaban un pañuelo al suelo cuando querían reconciliar a los hombres en conflicto.

En 2015, Trio Mandili lanzó su primer álbum titulado "With Love". El grupo realiza giras activas por todo el mundo, participa en festivales de música folclórica y ofrece conciertos en solitario. Los cantantes ya han visitado Bélgica, Polonia, Ucrania, Bulgaria, Suiza, Austria, Hungría y Rusia. "Trio Mandili" es un invitado frecuente de programas populares de televisión y radio en diferentes países. “Enguro”, el segundo álbum de la banda, se lanzó en 2017. Nuevas composiciones líricas para acompañar instrumentos populares populares revelan el espíritu único de la pintoresca Georgia y la amplitud del alma del pueblo georgiano.

1 Erti Nakhvit 1:56
2 Nislebi 1:51
3 Adjaruli 2:37
4 Kesaria 2:08
5 Svanuri 2:46
6 Kapia 3:10
7 Kekela Da Maro 2:05
8 Enguro 2:57
9 Kartuli Poppuri 2:57
10 Menatrebi 4:06

Woman of Steel es el cuarto álbum de estudio de la cantante nigeriana Yemi Alade .Descrito por Alade como un "buffet con diferentes tipos de comidas y bebidas", el álbum representa un cambio temático y personal en su sonido. Musicalmente, es un disco de Afrobeats que incorpora elementos de R&B y highlife . Woman of Steel presenta colaboraciones con Rick Ross , Duncan Mighty , Angélique Kidjo y Funke Akindele . Fue apoyado por los singles lanzados previamente "Home" y "Give Dem".Aunque la recepción crítica de Woman of Steel fue mixta, el álbum fue considerado como el mejor álbum de Alade hasta el momento.https://en.wikipedia.org/wiki/Woman_of_Steel_(album)

1 Night And Day 3:22
2 Home 3:44
3 Shake 3:14
4 Give Dem 3:33
5 Vibe 3:12
6 Yeba 3:25
7 Remind You 3:01
8 Nobody 3:27
9 Shekere 3:06
10 Poverty 4:03
11 Lai Lai 3:30
12 Somto 3:33
13 CIA (Criminal In Agbada) 4:05
14 Poverty (Swahili Version) 4:03
15 Oh My Gosh (Remix) 3:19

Yoshida Brothers o también conocidos en Japón como Yoshida Kyōdai 吉田兄弟 (よしだきょうだい), son un dúo compuesto por los hermanos Ryōichirō Yoshida y Ken’ichi Yoshida que tocan tsugaru shamisen, un antiguo instrumento japonés de tres cuerdas.Esta descripción puede llevar a pensar que se trata de otro grupo de música folclórica de su país, pero lo cierto es que los Yoshida Brothers han sabido mezclar las melodías y sonidos tradicionales de Japón con ritmos e instrumentos contemporáneos,lo que genera una mezcla musical única, muy dinámica, sensible y profundamente refinada. El remix de su canción "Kodo" se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los comerciales de la Nintendo Wii.

Se ha permitido que el timbre dorado de Muharam se eleve para que el mundo lo escuche. En su canción lleva el legado, el lirismo y la odisea de la 'Madre de Taarab', su bisabuela, Siti Binti Saad.
La producción de este álbum fue capaz de hacer referencia a los tiempos de Siti Binti Saad y traer la percusiva Kidumbak: estilo y despojar las capas formales de Taarab para dar una idea del eclecticismo de la cultura callejera swahili de Zanzíbar que influyó en Siti Binti Saad.
La producción de Sam Jones y las sobregrabaciones de estudio han permitido que la voz dorada de Siti Muharam garantice el legado del romance swahili y la música de su bisabuela en vivo.
'Siti' es un prefijo árabe que significa 'dama' y este disco reaviva las pasiones de la pionera Siti Binti Saad y el timbre dorado de Muharam, su descendiente y heredera aparente a un legado artístico singular.
Esta historia de 'Siti de Unguja' comienza con el nacimiento de Siti Binti Saad en 1890 en el pequeño pueblo pesquero de Fumba (en Unguja, la isla principal del archipiélago de Zanzíbar) a los padres que habían sido liberados de la esclavitud.

'Siti Binti Saad es como un texto sagrado para Zanzibari Taarab.En los últimos cincuenta años, la música volvió a tiempos más formales.Más recientemente, Bi Kidude trabajó para mantener vivo el legado de Siti Binti Saad y, aunque musicalmente diferente, usó algunas de sus distintas escalas. Bi Kidude se conectó conmigo por el amor compartido por estas escalas.
El estado de ánimo y los tiempos han cambiado y una vez más esta esencia está viva y con los jóvenes. El ritmo del original con el estado de ánimo de hoy.
Desde la reunión en un estudio de ensayo en Dhow Countries Music Academy hasta la finalización de una grabación en diez días, ha sido difícil pero ahora estamos en un lugar nuevo. Una banda y un sonido han cobrado vida.
Cuando se enseña música tradicional, es difícil preparar a los estudiantes para la grabación y el rendimiento, ya que las instalaciones y las oportunidades son escasas.
Sé que todos los músicos, incluso yo mismo, han crecido y resucitado.Siti Muharam especialmente. Para mí, ella era una artista perdida. He tratado de ayudarla a mantener vivo el nombre de su bisabuela, pero a menudo estaba sola.
Este proyecto le dio la oportunidad de abrazar el legado de su bisabuela y ver cuán importante es Siti Binti Saad. También le permitió ver que su propia voz dorada es una bendición en sí misma. Fadhil, Gora y Nema ganaron con este proyecto y juntos hemos crecido.
Este registro es profundamente personal y, sin embargo, cuenta una historia. Tome 'Nyuki', que era la canción de mi padre, quien él mismo era estudiante de Siti Binti Saad, aprendió su escala y su camino con la melodía. En 'Siti’s of Unguja' encontramos el sentimiento original, las melodías, las formas en que ella innovaba y conectaba a Taarab con la gente. El pasado nos ha ayudado a encontrar un sonido futuro, por lo que una nueva generación puede seguir el ritmo mientras lleva el método.
El sonido es nuevo, aunque, en cierto modo, ha despertado algo real que se había olvidado de la época de Siti Binti Saad. Un nuevo sabor, un hermoso sabor de la gente de Zanzíbar. Es lo que le gustará a mi gente y este disco llegará a ellos y al público en el extranjero. Esto me hace feliz.
Los oídos de Zanzibari escucharán lo fantástico que es este disco. Es raro en Zanzíbar tener tanta calidad en las letras y la melodía; Algunos de los sonidos en este disco estaban muriendo.La voz dorada de Siti Muharam lleva la esencia de Siti Binti Saad y su conexión con la cultura Zanzibari.

El proyecto surgió con la asistencia de Fumba Town Development, un proyecto innovador que proporciona hogares sostenibles a una nueva generación en Zanzíbar, construido de acuerdo con los principios de la permacultura. The Dhow Countries Music Academy (DCMA), OntheCorner Records, Soundthread y The British Council.

1. Machozi ya Huba
2. Sikitiko
3. Pakistan
4. Nyuki
5. Kijiti
6. Alaminadura
7. Ashikibaya (Sam Jones Construct)
8. Mandira

Virtuoso del veloz gurdy(Zanfona), Guilhem Desq da nueva vida e innovación a este instrumento del viejo mundo. Su sonido es inconfundible, ya que electrifica este instrumento acústico original y toca una amplia variedad de géneros, desde folk europeo tradicional hasta rock de Oriente Medio, contemporáneo, hip-hop y electro. Después de un año de gira por todo el mundo con más de 60 espectáculos (India, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Israel, Bulgaria, Italia, Francia ...) Guilhem Desq lanza su primer álbum en solitario "Visions". Un álbum "100% hurdy gurdy" que presenta canciones originales grabadas de su instrumento como la única fuente de sonidos. No solo un álbum, sino todo un proyecto que va más allá de la música, desde la construcción de su instrumento hasta la dirección y animación de su último video musical "Le château magique". Biografía completa Nacido en una familia de músicos, con su padre, fabricante de instrumentos y músico tradicional, Guilhem comienza a aprender el valiente gurdy a la edad de 8 años. Ingresa a la clase de música tradicional del conservatorio de Tarn en Albi (CNMDT), con su padre. un profesor. Desde 2002 ya trabaja con bandas tradicionales como "Aital Sem". En 2006, gana el concurso internacional Hurdy Gurdy en el festival de música tradicional de St Chartier. Después de 10 años de aprender Hurdy Gurdy en el conservatorio, ingresa a la sección de música de INSA en Toulouse en 2007, donde también realiza estudios de ingeniería informática. Continúa su formación musical conociendo a los maestros de Hurdy Gurdy como Valentin Clastrier, Gregory Jolivet, Romain Baudoin, quienes le permiten mejorar sus habilidades técnicas y musicalidad con su instrumento. Por otro lado, también aprende tambores en la famosa escuela de tambores Dante Agostini de Toulouse. Toca en muchos proyectos diferentes como baterista, en particular Lords Of Kahuzan, una banda de heavy metal con la que graba un álbum en 2008. La verdadera revolución en su vida musical llega en 2009 cuando construye con su padre su guitarra eléctrica personalizada. Gurdy. Esto le abre muchas puertas inesperadas, y comienza su propia banda tocando el veloz "Arcane Alchemists" (trad / rock / fusion), grabando su primer álbum en 2012. Se graduó de su escuela de ingeniería informática en 2015 y decide comenzar una carrera de músico profesional. Trabaja con varios proyectos, Liuç (trad), Ceguida (trad), Mighz (hip hop abstracto), y hace su segundo álbum con Arcane Alchemists en 2016. También da muchas exposiciones individuales con sus creaciones originales, y comienza un serie de videos web que le otorgan varios millones de visitas en internet. Esto lo ayuda a colaborar con varios artistas internacionales, como D Imman, Maati Baani, Martin Stimming, Bedouin, Steinregen Dub System, Rakkoon ... También produce partituras para cortometrajes y coquetea con las artes del circo con "Le cirque with the world los mejores artistas "como su principal músico en 3 giras con 50 espectáculos en Italia. Después de un año de gira mundial en 2017 (India, EE. UU., Nueva Zelanda, Israel, Bulgaria, Italia, España, Francia ...) con más de 50 espectáculos, Guilhem Desq lanza su primer álbum en solitario "Visions". Un álbum "100% hurdy gurdy" que presenta canciones originales grabadas de su instrumento como la única fuente de sonidos. No solo un álbum, sino todo un proyecto que va más allá de la música, desde construir su instrumento hasta dirigir y animar su último video musical "Le château magique"

1 Le château magique 4:10
2 Visions 3:46
3 La libellule et le baobab 5:07
4 Sand Sailor 4:14
5 Cicatrices 4:14
6 Omen 3:41
7 Break Your Cranck 3:38
8 Jusqu'en haut de la montagne 5:33
9 Arbol 4:25
10 Le château abandonné 7:14

Subido por Marhali.

Asmâa Hamzaoui junto con su banda Bnat Timbouktou (Las hijas de Tombuctú) son el primer grupo de música gnawa tocada únicamente por mujeres, poniendo en jaque un estilo dominado exclusivamente por hombres hasta la fecha, y siguiendo la estela de la gran Hasna el Becharia, artista del sur de Argelia que, desde muy joven, sintió la necesidad de ir contracorriente y defender, con su música y su actitud valiente, los derechos de las mujeres de Argelia y del Sahara.

A Asmâa Hamzaoui le propusieron dos veces matrimonio pero con una condición: que dejara de tocar el guembri, el instrumento sagrado de tres cuerdas característico de la música gnawa reservado solo para hombres. "Jamás", les contestó. Aprendió a tocar el guembri desde niña, cuando acompañaba a su padre a las lila, ceremonias privadas donde se combinan poesía, música y danza. Pero pronto se dio cuenta de que en la música gnawa, originaria de los antiguos esclavos de origen subsahariano traídos al Magreb, las mujeres eran relegadas a un segundo plano. Hasta que un día su madre le planteó: "¿Por qué no creas un grupo de mujeres?".

Así que Asmâa le tomó la palabra a su madre. En 2012, con apenas 16 años, creó el primer grupo de música gnawa tocado únicamente por mujeres. Se llaman Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou y, juntas, han decidido romper el tabú. "Es solo un mensaje", explica Hamzaoui. "Las mujeres pueden hacer lo que quieren. Pueden ser pilotos, pueden ser músicas y, desde luego, pueden tocar el guembri", afirma.

Sobre el escenario, Asmâa lidera el ritmo. Empieza a tocar las cuerdas de su guembri y entona los primeros versos de una canción. Le contestan las otras integrantes del grupo, acompañadas por el sonido metálico de los qraqeb (crótalos, las tradicionales castañuelas metálicas). Las letras de la música gnawa hablan del sufrimiento de los esclavos africanos traídos a Marruecos. Son la memoria de un pasado remoto en el cual cantaban su miseria y sus preocupaciones diarias.

En el álbum Oulad Lghaba (2019) la banda se ha mantenido fiel a la tradición estilísticamente, pero ha introducido su propia elección de temas. La separación, el sufrimiento y la memoria de África son los contenidos predominantes, dando buena muestra de por qué Asmâa y Bnat Timbouktou están causando tanto revuelo, tanto en el mundo árabe del Norte de África como en Occidente.

01. Bala Yourki
02. Rebi Ya Moulay
03. Lando
04. Beryandou
05. Soudani Mama
06. Mamariyou
07. Foulani
08. Allal
09. Sandia
10. Interlude
11. Sidi Lafquih (bonus track)

Namgar es un grupo musical de Moscú que toca al estilo de la etno fusión mundial y creado en 2001 por el productor Arthur Pilyavin (el grupo Kvartal).

Namgar interpreta música tradicional y canciones de buriatios y mongoles , así como sus propias interpretaciones del folklore de los pueblos mongoles. El repertorio del grupo incluye canciones de baile Buryat ( Neryen y Yokhor ), tocar canciones del ring , canciones persistentes de Buryat, etc. Durante los primeros años de su existencia, el trabajo del colectivo fue renacentista: se utilizaron instrumentos acústicos y un repertorio tradicional.

En 2007-2008, el grupo creó un repertorio actualizado utilizando motivos y textos tradicionales en el contexto del sonido, teniendo en cuenta la experiencia de los géneros musicales modernos.

Nordic Namgar is fronted by the vocalists Namgar Lhasaranova from Buryatia, Russia (north of Mongolia) and Niillas Holmberg from Sápmi, a meeting between two of the most unique indigenous voices in the world today. Both represent their culture, music and tradition at a very high level, a remarkable collaboration between two voices that both contrast and complement each other.

Nordic Namgar started in 2013 as the Riddu Riđđu festival commisioned a piece by Ole Jørn Myklebust, an accomplished jazz and world musician. They have since performed in Norway, Russia and Kazakhstan.

A fusion of Buryat-Mongolian tradition and modern rock/jazz elements with haunting woman voice of Namgar, the Buryat star of traditional and modern music, and a blend of traditional and modern instruments that bring together images of the great wide open and modern drive.

The heart of group, Namgar whose name means “white cloud”, grew up in a tiny village of Kunkur near the border crossing of Mongolia,at SIberia (Buryat Republic). Namgar Lhasaranova’s voice is as immense as her Siberian homeland.The Buryat vocalist/instrumentalist fronts the group Namgar, which fuses traditional Buryat and Mongolian music with elements of pop, jazz, folk, ambient soundscapes and art-rock that doesn’t sound quite like anything else. Lhasaranova’s impressive vocal range can go from playful and childlike to gigantic and soaring within the space of a few minutes.The band uses traditional Mongolian instruments, including the yatag (a 13-stringed zither), the chanza (a three-stringed lute) and the morin khuur (a two-stringed bowed instrument), along with electric bass and drums to craft its unique sound, which it has been taking to festival stages around the world from Norway to Malaysia to the United States since forming in 2005.The melodic music Namgar creates was passed down to Lhasaranova from her grandparents and father, who sang to her as a child. The inventive arrangements are new, but the stories told in the songs are as old as the indigenous Buryats themselves, with tales and myths of ancient Mongol fighters, champions, horses and famous battles.

Hatar

Nomad

The Dawn Of The Foremothers

Nordic. Live at Riddu Riddu

Wimme Saari (también conocido como solo Wimme) es uno de los cantantes Sami yoik más conocidos de Escandinavia. Wimme Saari combina el canto tradicional sami con sus propias improvisaciones, generalmente con un acompañamiento acústico-tecnoambiental del grupo Wimme de WIMME. Wimme también ha aparecido en los álbumes de otras bandas, por ejemplo Hedningarna

The most kinetic and lavishly woven of their three releases so far on Northside, Cugu illustrates how Wimme (Vee-meh) as a folk/art music phenomenon might best be understood as a group proper. In this third outing the Sami yoik (vocals) of Arctic Finn Wimme Saari, and the instrumental stage sets and programming production of Tapani Rinne and the Rinne Radio team, have arrived as a fully functional and perfected unit. While Saari's treasurable, rough-hewn tenor echoes wilderness experience, displaying mimicry of animals and nature's intelligent chaos in general, even as he sings words, Rinne has illumined it with synthetic and processed sounds of comparable organic complexity, but also woodwinds and other sonic garlands. The metric pulse of beats, secondary rhythm markers and murky sub-floors are artfully layered to suggest once again a digital bride to Saari's lonesome and cold-bitten voice, and appear in every one of twelve original selections.

01 Eallima Bárut (Waves of Life)
02 Silbabiedju (Silver Cave)
03 Cugu (Puppy)
04 Nággu (Argument)
05 Mii Leat (We Are)
06 Texas
07 Dierpmesbákti (The Rock of the Thunder God)
08 Bambumiehta (Bamboo Honey)
09 Baksamat (Lips)
10 Suoldnit (Dew)
11 Rehálas (Honest)
12 Agálas Johtin (The Eternal Journey)

Pello Ramírez ( Ordizia , Gipuzkoa , 1966 ) es acordeonista y violonchelista . Además de ser uno de los músicos más solicitados en la escena musical del País Vasco ( Benito Lertxundi , Pier Paul Berzaitz , Olatz Zugasti , Xabier Lete , etc.).

Su segundo disco, 'Eskuz lurrari' (Elkar),se trata de una recopilación de quince temas, creados a partir del acordeón y el violonchelo principalmente, que en numerosas ocasiones adoptan un aspecto sinfónico, dado que intervienen bastantes instrumentos. También ha participado el coro ordiziarra Oroith.

Pello Ramírez (Ordizia, Gipuzkoa, 1966) is an accordionist and cellist. In addition to being one of the most requested musicians on the Basque Country music scene (Benito Lertxundi, Pier Paul Berzaitz, Olatz Zugasti, Xabier Lete, etc.).

His second album, 'Eskuz lurrari' (Elkar), is a compilation of fifteen songs, created mainly from the accordion and cello, which occasionally take on a symphonic aspect, given that enough instruments are involved. It has also had the Oroith Ordiziarra Choir.

01. Suaren Ura
02. Isiltasunera Arte
03. Amildegira Jauziak
04. Itsasargiak
05. Ataungo Launei
06. Agur Biluzia
07. Lehen Txoria
08. Zubia
09. Kometak
10. Ametsetan
11. Haizeak Lurrari I
12. Haizeak Lurrari II
13. Soinu Luzez
14. Aitari
15. Zure Urdinen Distira

Daniel Kahn & the Painted Bird es una banda klezmer con sede en Alemania fundada por el cantante, compositor y actor estadounidense Daniel Kahn, originario de Detroit , Michigan . La banda se formó en 2005 y tiene su sede en Berlín . Han lanzado cinco álbumes a través del sello alemán de música mundial Oriente Musik.

El grupo describe su música como "una mezcla de Klezmer, canción radical yiddish, cabaret político y punk folk "

Would there be a colour attached to each album, this one's would be dark grey with little light grey sprinkles in it. And probably a tiny red one, like the painted Bird on the cover.

"Bad Old Songs", Daniel Kahn & The Painted Bird's new album is a dark and more intimate follow-up to their award-winning "Lost Causes" (2011, Oriente Musik).

Kahn aficionados will recognize his unique way of mixing own compositions with extraordinary rearrangements and adaptions to one harmonious creation. Originals like Kahn's wicked Berliner ostalgie ballad "Good Old Bad Old Days" and the anti-love blues "Love Lays Low" meet polyglot reinventions of Yiddish folk songs and classics from Leonard Cohen and Franz Josef Degenhardt culminating in the rearrangement of „Die alten bösen Lieder“ (The Bad Old Songs), a poem written by Heinrich Heine and later set to music by Robert Schumann. Kahn collected old songs and new ones cursing the past or the present and sings about crestfallen love, suffer and misery, misguided religiousness and undesired heritage. In the desolate borderlands between Berlin, Detroit, New York, and Yiddishland, these Bad Old Songs are the midnight reveries of a lost time that is yet to come.

1. A Meydl From Berlin (Trad. / Kahn) 3:58
2. Love Lays Low (Kahn) 3:05
3. Good Old Bad Old Days (Kahn) 5:40
4. Die Alten Lieder (Degenhardt / Kahn) 3:32
5. Groys Dasad (Trad. / arranged: Kahn) 3:49
6. Story of Isaac (Cohen / arranged: Kahn / Shulman-Ment) 3:38
7. Godbrother (Kahn) 3:45
8. The Marriage Hearse - Umet Umetum (Shulman-Ment / Winograd / Kahn) 5:28
9. Die Alten Bösen Lieder (R. Schumann / H. Heine / arranged: Kahn) 4:03
10. Olaria Olara (Savvopoulos / Kahn) 2:40

Blick Bassy – 1958

Тюргэн Кам - Ahoi

Oum - Daba

Constantinople & Ablaye Cissoko - Traversées

Souad Massi – Oumniya

IDIR - Identites

Los Paraguayos - Los Paraguayos (1970)(VinilRip)(Version Rusa)

Schäl Sick Brass Band - Prasti Music

Séamus Egan - Early Bright

Moh! Kouyaté - Guinea Music All Stars (2020) EP

Trio Mandili - Enguro

Yemi Alade - Woman Of Steel

Yoshida brothers 9Cd´s

Siti Muharam - Siti of Unguja (Romance Revolution on Zanzibar)

Guilhem Desq - Visions

Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou – Oulad Lghaba

Намгар (2003-2014)

Wimme - Cugu

Pello Ramirez -Eskuz Lurrarri

Daniel Kahn & The Painted Bird - Bad Old Songs