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Goran Bregovic - Arizona Dream OST

April 20, 2020, 9:00 pm
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BSO de la mano del compositor y músico serbio Goran Bregovic para la película 'Arizona Dream' del director Emir Kusturica. "Goran Bregović había compuesto previamente una partitura para Time of the Gypsies, del serbio Emir Kusturica, y para la próxima película del director, una mezcla surrealista de drama y comedia ambientada en los Estados Unidos con un reparto extraño que incluye a Johnny Depp, Jerry Lewis y Paulina Porizkova - El compositor aumentó su interpretación cinematográfica de la música de los Balcanes con un invitado distintivo. Iggy nunca suena fuera de lugar, incluso cuando está insertando letras de temas como "Robert Maxwell tenía un yate pero no murió tan maravilloso", comprobando el nombre del británico. editor cuyas acusaciones de fraude se convirtieron en forraje sensacionalista en los años noventa después de ahogarse en el Mediterráneo. Asegúrese de ver el video de "In the Deathcar" para tener la oportunidad de ver a Iggy presentar con entusiasmo a su gato Mookie Moo








1 In The Deathcar [with Iggy Pop] Goran Bregovic 5:14
2 Dreams Goran Bregovic 3:33
3 Old Home Movie Goran Bregovic 5:04
4 TV Screen [with Iggy Pop] Goran Bregovic 5:18
5 7/8 & 11/8 Goran Bregovic 4:51
6 Get The Money [with Iggy Pop] Goran Bregovic 4:51
7 Gunpowder Goran Bregovic 4:46
8 Gypsy Reggae Goran Bregovic 3:02
9 Death Goran Bregovic 5:12
10 This Is A Film [with Iggy Pop] Goran Bregovic 4:18
11 American Dreamers Old Home Movie [with Johnny Depp] Goran Bregovic 5:05
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Vigüela -A Tiempo Real A New Take on Spanish Tradition

April 22, 2020, 11:39 pm
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Vigüela es el primer grupo en llevar los estilos tradicionales (jota, seguidilla, fandango, son), interpretados como en su entorno natural, con una gran parte de improvisación, y con un enfoque de excelencia artística, a los escenarios profesionales internacionales de las músicas del mundo.

Han actuado en festivales de referencia mundial, como WOMAD UK, Forde en Noruega o la programación Klangkosmos, con 12 conciertos en Alemania. En 2019 actuaron en España, Polonia (mayo y julio), Alemania, Eslovenia (foto de portada, en festival Okarina en Bled), Portugal, Serbia y Uzbekistán.

Han realizado talleres de música y baile en España, Inglaterra, Polonia, Chipre, Suecia, Alemania y República Checa.

Los últimos dos trabajos discográficos de Vigüela (de los 8 que tienen) han sido editados y distribuidos internacionalmente por el sello británico ARC Music, que tiene 41 años de trayectoria dedicada a las músicas del mundo. A Tiempo Real, el disco de 2019, alcanzó el nº 1 en Transglobal World Music Chart.
http://www.mapamundimusica.com/viguela/bio/




01 - Arrimate, Pichon, a Mi (00:03:50) 
02 - Moreno Mio, Cuanto Te Quiero (00:01:20) 
03 - El Ramo Palillo Verde Alla En La Habana (00:01:53) 
04 - Ay de Mi Capa! Taran, Tan, Tan (00:03:36)
05 - Flor del Virule (00:03:24)
06 - Las Doce Palabras Dichas y Retorneadas (00:04:10)
07 - El Demonio el Calderero (00:02:50)
08 - Arroyo Claro (00:02:06)
09 - Tengo Que Subir al Puerto (00:02:06) 
10 - Verdeguea y Grana (00:04:32) 
11 - Pandero Arroyano por Seguidillas (00:04:59) 
12 - La Nina de Sevilla (00:01:47) 
13 - El Pajaro Ya Volo (00:02:11) 
14 - Echa la Soga al Barco (00:09:38) 
15 - Que Si Quieres, Moreno (00:04:36) 
16 - Jota Estribillera al Uno (00:05:37) 
17 - Malaguena a Tres del Dos (00:05:09) 
18 - Jota Falsa con Aire (00:05:31) 
19 - Rondena de las Tres Esquina (00:05:43)
20 - Que Se Va por Seguidillas (00:03:00)
21 - A Mi Puerta Llaman por Fandangos (00:03:39) 
22 - Jota de Nerpio de Tajo (00:04:26)
23 - Malaguena Sorda de Javi de Nerpio (00:02:20) 
24 - Veratas a Mi Manera (00:04:35) 
25 - Del Ciguenuela al Tajo (00:05:41)
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La Palabra mas Tuya (2006)

April 25, 2020, 4:10 am
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Hace 50 años, en 1956, un veinteañero valenciano exiliado en París tuvo la feliz idea de poner música a un poema de Luis de Góngora, La más bella niña. Aquella grabación de Paco Ibáñez constituye el episodio fundacional de la canción de autor en España. 
El estudioso Fernando González Lucini ha repasado ahora este prolongado romance entre versos y corcheas con la antología discográfica La palabra más tuya, 13 volúmenes que, a razón de uno semanal, llegan a las tiendas a partir de mañana.

Alberti, Cernuda, Machado, Lorca, Neruda, Miguel Hernández, León Felipe, Juan Ramón Jiménez, José Agustín Goytisolo, Ángel González, García Calvo, Gil de Biedma, Guillén, Bécquer, Rosalía de Castro, y así, hasta más de 30 nombres. Tales son los distinguidos letristas que alimentan las 158 canciones reunidas en estas casi 13 horas de música. La iniciativa discográfica ha corrido a cargo del sello Factoría Autor, si bien un doble álbum recopilatorio con las piezas más características también verá la luz bajo el mismo título, La palabra más tuya, en Sony-BMG.

La historia de este intenso hermanamiento entre lírica y canción se remonta a mediados de los años cincuenta, cuando autores como Gabriel Celaya y Blas de Otero asientan las bases de la poesía social. Paco Ibáñez sería el primero en asumir un reto que luego han afrontado docenas de trovadores. Por las 13 entregas de esta colección desfilan más de 60: Serrat, Carlos Cano, Amancio Prada, Luis Pastor, Pedro Guerra, Mercedes Sosa, Hilario Camacho, Imanol, Morente, Menese, Camarón, Miguel Poveda, Manzanita, Lole y Manuel, Marina, Aguaviva, Elisa Serna, Adolfo Celdrán, Olga Manzano, Manuel Picón y Manuel Toharia, entre otros.

González Lucini (Jaén, 1946), profesor y autor de varios manuales de pedagogía, señala: "Estoy íntimamente convencido de que a Machado o Miguel Hernández les habría encantado escucharse en forma de canción, y aún más a García Lorca, a quien considero el primer cantautor del país. Él tenía formación musical y un apego por las coplas del barrio, de la calle, que le emparentan con muchos de los que luego le cantaron".

Amigo personal de Gabriel Celaya y José Hierro, Lucini se muestra convencido de que algunos poetas han desarrollado una musicalidad implícita en sus estrofas. "Carlos Cano siempre me contaba que sufría para cantar a Cernuda, pero que con Machado o Alberti las canciones le salían solas. Y Hierro decía que poner música a un poema era como vestir a una mujer: había que ajustarse a las curvas para resaltar su belleza. Él, que era muy exigente, sólo salvaba a Menese...".

El proyecto de La palabra más tuya se completará antes de fin de año con tres discos adicionales dedicados a poetas en gallego, catalán y euskera, y con un libro de la Fundación Autor, Y la palabra se hizo música.

González Lucini afirma que su mayor anhelo es que estos 13 discos sirvan "no sólo para reivindicar medio siglo de historia musical, sino para estudiar poesía en los colegios e, incluso, para facilitar el aprendizaje de la lengua española a través del Instituto Cervantes".


  • 01 Antonio Machado
  • 02 Blas de Otero y Gabriel Celaya
  • 03 Federico García Lorca
  • 04 Rafael Alberti
  • 05 León Felipe y Juan Ramón Jiménez
  • 06 Rosalía de Castro y Gustavo Adolfo Bécquer
  • 07 José Agustín Goytisolo, Jaime Gil De Biedma y Ángel González
  • 08 Miguel Hernández
  • 09 Nicolás Guillén, Mario Benedetti y José Martí
  • 10 Carlos Álvarez, Jesús López Pacheco, Luis Cernuda, José Bergamín
  • 11 Cantando a: Violeta Parra, Gloria Fuertes, Fanny Rubio, Elena Martín Vidal, Gabriela Mistral, Dulce María Loynar, María Elena Walsh, Alfonsina Storni, María Zambrano, Isabel Escudero
  • 12 Agustín García Calvo, Luis García Montero, Agustín Millares y Pedro Lezcano
  • 13 Pablo Neruda


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Spain in my heart - Songs of the Spanish Civil War

April 26, 2020, 1:32 am
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El atractivo idealista de "pelear la buena batalla" contra las tropas fascistas del general Francisco Franco mientras luchaba contra el gobierno democráticamente elegido de España atrajo a más de 45,000 soldados voluntarios de más de 50 países durante la Guerra Civil española (1936-39). Esta afluencia creó un canon de canciones relacionadas con la guerra cantadas por los luchadores por la libertad y revividas durante el auge popular estadounidense de los años cincuenta. SPAIN IN MY HEART presenta nuevas grabaciones de canciones antiguas y recientes inspiradas en el conflicto e interpretadas por una lista internacional de músicos. Estados Unidos está representado por el ícono activista del folk, Pete Seeger, Arlo Guthrie, el principal instrumentista / vocalista John McCutcheon, la cantante / violinista de bluegrass Laurie Lewis, el Quetzal de East LA, la cantante / compositora / actriz multicultural Michele Greene, y Joel y Jamaica Rafael de la banda Joel Rafael. De México y Nicaragua vienen la vocalista Lila Downs y Duo Guardabarranco, respectivamente. Los voluntarios irlandeses son el artista en solitario Aoife Clancy, anteriormente de Cherish the Ladies, y Shay Black de The Black Family. España está representada por dos de sus principales cantantes contemporáneos, Eliseo Parra y Uxía. Las canciones aquí, de base acústica y muchas en español, forman un mosaico sorprendentemente delicado. En lugar de emular el estridente caos de la batalla, el CD transmite aspectos más sutiles del conflicto: anhelo de tiempos más simples ("Asturias", "En la plaza de mi pueblo"); anhelo de seres queridos distantes ("The Bantry Girls 'Lament"); el significado igual de vida, amor y muerte ("Llegó Con Tres Heridas"). La guerra y la valentía de las fuerzas antifascistas se abordan en canciones como "Jarama Valley", "El Quinto Regimiento", "Taste of Ashes" y "The Abraham Lincoln Brigade". No importa en qué idioma se interpreten las canciones, la valentía, el dolor y la pérdida que sienten tanto los soldados como los civiles se expresan con una convicción y un sentimiento que trasciende las palabras y forja un vínculo doloroso con el oyente.







1 Jarama- Valley Pete Seeger, Arlo Guthrie 5:05 
2 En la Plaza de Mi Pueblo-Michele Greene 3:41 
3 The Abraham Lincoln Brigade -John McCutcheon 3:40 
4 Asturias -Dúo Guardabarranco 2:45 
5 El Quinto Regimiento- Lila Downs 3:44 
6 The Bantry Girls' Lament- Aoife Clancy 3:42 
7 García y Galán -Uxía 3:53 
8 Los Cuatro Generales Joel & Jamaica -Rafael 3:36 
9 Llegó Con Tres Heridas -Eliseo Parra 3:17 
10 Noche Nochera -Dúo Guardabarranco 4:19 
11 Viva la Quinte Brigada- Aoife Clancy, Shay Black 4:17 
12 Si Me Quieres Escribir- Quetzal 3:11 
13 Tú Que Brillas -Michele Greene 3:26 
14 Los Marineros- Uxía 3:10 
15 Peat Bog Soldiers- Laurie Lewis 2:55 
16 Viva la Quince Brigada -Quetzal 3:06 
17 Taste of Ashes-Laurie Lewis 4:07 


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DakhaBrakha- Шлях

April 29, 2020, 7:35 pm
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DakhaBrakha es un cuarteto popular ucraniano que combina los estilos musicales de varios grupos étnicos . Fue ganador del Premio Sergey Kuryokhin en 2009.

DakhaBrakha es un proyecto del Centro DAKh de Arte Contemporáneo , dirigido por Vladyslav Troitskyi y nacido como un equipo de música de teatro en vivo. Troitskyi sigue siendo el productor de la banda. Los miembros de DakhaBrakha participan en otros proyectos del centro, especialmente en el proyecto de cabaret para mujeres Dakh Daughters , así como en el festival anual Gogolfest .





1 Ой Ішов Чумак 8:23
2 Чорна Хмара 10:36
3 Чумак 6:59
4 Şalğir Boyu 6:04
5 Карамисли 7:12
6 А Дощик Накрапає 5:58
7 Монах 4:57
8 Соловей 7:25
9 Сєно 6:54
10 Свирид 9:12
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DakhaBrakha- Ягудки

April 30, 2020, 11:29 am
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With their first album of 2006 "Good Night" DahaBraha not even entered – but broke into the music space, took roots and started growing actively. That was a live joy – both in itself, and because, in particular, the album consisted of recordings of the group's live performances. Now –crystallization takes place, and so you see the first studio album by the project. On the one hand, it means that a part of the songs will seem as though familiar to you. On the other – even familiar things will appear here in a new light. But all the same this light remains – magic. Not such, as the good old entertaining "magic lantern", but – such as that of Gabriel Marquez, Goran Petrovich, Taras Prohasko. When they surprisingly unite the most ancient past of different people and continents – and their modernity – and the space, in which all this lives, belongs to the world and light, and not to time... When attention to tiny, seemingly, details results in the ability to discover and see the Universe in each grain of sand, any drop. When everything takes place so truly that it often seems sheer fantasy... DahaBraha is sometimes water – feeding, cherishing, carrying and guarding. And sometimes – the thinnest blade cutting a mustard grain in half in order to find there – wind, sun, freedom. Nobody knows what exactly each of us will find here, but we are sure – to find. This music is strange – but our world is strange as well




1. Sho z-pod duba 03:48  
2. Rusalochky 01:49 
3. Pani 03:27 
4. Za duby 02:19 
5. Oy, u Kyevi 09:32 
 6. Na dobranich 05:16 
7. Afryka 06:11 
8. Kozak 04:19 
9. Vesna Chilli 09:34 
10. Yahudky 06:47 
11. Dibrova 06:11
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Béla Fleck - Throw Down Your Heart, The Complete Africa Sessions (3CD)

May 3, 2020, 1:13 am
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En 2009 y 2010, Bela Fleck lanzó dos volúmenes separados de grabaciones titulados Throw Down Your Heart como bandas sonoras parciales para una expedición documental de cinco semanas a África con el director Sascha Paladino. Intentó rastrear los orígenes culturales del banjo. Fleck viajó, tocó y se reunió con más de 40 grupos diferentes y artistas individuales en Uganda, Tanzania, Senegal, Gambia y Malí. El volumen inicial incluía música con artistas establecidos internacionalmente como D'Gary, Baba Maal, Vusi Mahlasela, Bassekou Kouyate y Oumou Sangare. Pero también mostró músicos desconocidos fuera de sus países de origen, incluidos el vocalista y jugador de kalimba Anania, la Asociación Cultural Luo en Uganda y el Grupo de xilófono Muwewesu, que tocan en una gigantesca marimba que lleva a ocho personas a tocar, mientras la gente del pueblo se une a varias flautas, violines y percusión. El álbum original ganó un par de Grammys por Mejor álbum mundial contemporáneo y Mejor interpretación instrumental pop. El segundo disco recogió cintas inéditas del viaje; también equilibró a artistas conocidos y desconocidos, como el guitarrista Afel Bocoum, el letrista Albert Bisaso Ssempeke, Jr, el jugador de kalimba Haruna Walisimbe, el Haruna Samake Trio y la música tradicional maliense con Bassekou Kouyate.

Una década después, Craft Recordings with Rounder emite esta colección en caja que empaqueta esos dos álbumes y un álbum en vivo inédito entre Fleck y el maestro de kora Toumani Diabaté. Una de las razones por las que el banjoista fue a Mali fue para buscar la leyenda de Kora, pero no estaba disponible. Diabaté luego agregó sobregrabaciones a un par de pistas en el primer álbum, pero nunca tuvieron la oportunidad de tocar juntos en Mali. Sin embargo, comenzaron a trabajar juntos en un taller de 2008 en el Festival Folclórico de Winnipeg, y continuaron con una gira de dúo en 2009. Los aspectos más destacados de este último comprenden estas diez grabaciones. La relación interactiva entre estos hombres ofrece lo que parece un nivel instintivo de comunicación que refleja amistad, intimidad y buena voluntad. "Bamako" y "Nashville" trazan intersecciones y diferencias en las culturas musicales de ambas ciudades. La pareja retiene sus identidades individuales incluso mientras se mezclan para crear una nueva musicalidad colectiva. En "Elyne Road", trazan las improvisaciones de cada uno en el momento y las amplían con inversiones matizadas de escala, tiempo y modo. En "Throw Down Your Heart" canalizan blues maliense y estadounidense, swing, Stephen Foster, las canciones originales de la familia de Diabate, música clásica y folk apalache cum Malian. "Kauonding Sissoko" es un tour de force de líneas simples entrelazadas y en cascada y melodías superpuestas apiladas que tocan "Oh Susanna" y Flatt & Scruggs, así como Tunde Jegede y Kassé Mady Diabaté. Después de que Fleck ofrece "Katmandu", un solo modal de blues oriental, la pareja introduce una improvisación de llamada y respuesta que se transforma, humorísticamente, en un "Dueling Banjos" pisante y humorístico. El efecto dominó se ofrece para compra independiente y se puede disfrutar como tal. Pero su inclusión en la caja empaquetada con la película y otros discos completa el retrato de la estadía africana de Fleck y muestra el impacto que el continente y sus músicos dejaron en su trabajo, haciendo que Throw Down Your Heart: The Complete Africa Sessions sea una afirmación de la vida. , tesoro musicalmente deslumbrante.







Disc 1
1 Tulinesangala Nakisenyi Women's Group / Traditional Béla Fleck feat: Nakisenyi Women's Group 02:51
2 Kinetsa Ernest Randrianasolo Béla Fleck feat: D'Gary 04:17
3 Ah Ndiya Oumou Sangare Béla Fleck feat: Oumou Sangare 03:48
4 Kabibi Anania Ngoglia Béla Fleck feat: Anania Ngoglia 02:28
5 Angelina Luo Cultural Association / Traditional Béla Fleck feat: Luo Cultural Association 02:49
6 D'Gary Jam Béla Fleck / Ernest Randrianasolo / Oumou Sangare Béla Fleck feat: Afel Bocum / Richard Bona / D'Gary / Toumani Diabaté / Baaba Maal / Vusi Mahlasela / Anania Ngoglia / Oumou Sangare 06:15
7 Throw Down Your Heart Béla Fleck Béla Fleck feat: Bassekou Kouyate / Haruna Samake Trio 05:08
8 Thula Mama Vusi Mahlasela Béla Fleck feat: Vusi Mahlasela 04:00
9 Wairenziante Muwewesu Xylophone Group Béla Fleck feat: Muwewesu Xylophone Group 02:52
10 Buribalal Afel Bocum Béla Fleck feat: Afel Bocum 04:32
11 Zawose Chibite / Béla Fleck / Traditional Béla Fleck feat: Chibite / Chibete The Zawose Family / The Zawose Family 03:20
12 Ajula/Mbamba Jatta Family / Traditional Béla Fleck feat: Jatta Family 04:30
13 Pakugyenda Balebauo Warema Masiaga ChaCha Béla Fleck feat: Warema Masiaga ChaCha 02:59
14 Jesus Is the Only Answer Ateso Jazz Band / Traditional Béla Fleck feat: Ateso Jazz Band 03:25
15 Matitu Khalifan Matitu / Traditional Béla Fleck feat: Khalifan Matitu 04:19
16 Mariam Béla Fleck / Djelimady Tounkara Béla Fleck feat: Djelimady Tounkara 03:50
17 Djorolen Oumou Sangare Béla Fleck feat: Oumou Sangare 05:02
18 Dunia Haina Wema/Thumb Fun Béla Fleck / Anania Ngoliga Béla Fleck feat: Anania Ngoliga 07:14

Disc 2
1 Spirit Song Haruna Walusimbi Béla Fleck feat: Ronald Mabandha / Okiror / Haruna Walisimbe 04:27
2 Salam Aleikum Afel Bocoum Béla Fleck feat: Afel Bocoum / Yoro Cisse / Barou Diallo / Hamma Sankare / Zoumana Tereta 04:43
3 Chant Traditional Béla Fleck feat: Masai Warriors 04:26
4 The Rights of Man/Ya Fama Harouna Samake / Traditional Béla Fleck feat: Haruna Samake / Habib Sangare / Madou Sanogo 06:09
5 Kamungoro Albert Bisaso Ssempeke, Jr. Béla Fleck feat: Albert Bisaso Ssempeke, Jr. 02:31
6 Kandjo Traditional Béla Fleck feat: Alou Coulibazy / Bassekou Kouyate / Ami Sacko 05:51
7 Obughangwa Muwewesu Xylophone Group Béla Fleck feat: Muwewesu Xylophone Group 04:09
8 Soumauro Traditional Béla Fleck feat: Alou Coulibazy / Djelimady Tounkara 03:48
9 Furaha Anania Ngoliga Béla Fleck feat: Anania Ngoliga 04:30
10 Mar Rano Ernest Randrianasolo Béla Fleck feat: D'Gary / Xavier Martial François / Roy Wooten 05:43
11 Jesus of Banjul Jesus Jah Jarju Béla Fleck feat: Jesus Jah Jarju 04:25
12 Mali Jam Traditional Béla Fleck feat: Alou Coulibazy / Lassana Diabate / Bassekou Kouyate / Haruna Samake / Djelimady Tounkara 05:18
13 Kayi Ni Wura Oumou Sangare Béla Fleck feat: Sekou Bah / Sékou Bembeya Diabaté / Benogo Diakite / Nabintou Diakite / Oumou Sangare / Souleymane Sidibe / Zoumana Tereta 05:48
14 Old Joe Jatta Béla Fleck Béla Fleck feat: Samba Bah / Frederick Jatta / Remi Jatta / Sega Jatta / Abdoulie Saine / Joseph Sambou / Naser Sambou / Phgusiteh Sambou 06:03

Disc 3
1 Bamako Béla Fleck Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 06:30
2 Nashville Toumani Diabaté Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 03:51
3 Snug Harbor Béla Fleck Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 08:02
4 Elyne Road Toumani Diabaté Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 08:48
5 Matitu/Buribalal Afel Bocoum Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 04:48
6 Manchester Toumani Diabaté Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 07:03
7 Katmandu Béla Fleck Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 05:03
8 Kauonding Sissoko Toumani Diabaté Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 05:45
9 Throw Down Your Heart Béla Fleck Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 04:21
10 Dueling Banjos Arthur "Guitar Boogie" Smith Béla Fleck feat: Toumani Diabaté 07:00

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VIOLETA PARRA (DISCOGRAFÍA)

May 3, 2020, 12:49 pm
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(San Carlos, Chillán, 1917 - Santiago, 1967) Cantautor y compositor chileno. Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval y hermana del poeta Nicanor Parra, completó sus primeros estudios en Lautaro y Chillán, y en 1934 ingresó a la Escuela Normal, donde permaneció por menos de un año. En 1938 se casó con Luis Cereceda, el padre de sus hijos Ángel e Isabel, quienes adoptarían el apellido de su madre.
Desde pequeña sentía afición por la música y el folklore chileno; su padre, maestro de escuela primaria, era un conocido folklorista de la región. Después de establecerse en Santiago, Violeta Parra comenzó a actuar con su hermana Hilda en el Hermanas Parra Duo. En 1942 ganó el primer premio en un concurso de canto en español organizado en el Teatro Baquedano, y desde entonces fue frecuentemente contratada hasta que se fue a Valparaíso, donde encontró su verdadera vocación.

Los constantes viajes por todo el país lo pusieron en contacto con la realidad social chilena, plagada de desigualdades económicas. Violeta Parra adoptó una posición política como militante de izquierda que la llevó a buscar las raíces de la música popular. En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile, comunidades mineras y granjas, recolectando canciones anónimas que luego repetiría, ya en 1954, en una serie de programas de radio para Radio Chilena, una estación que lo proyectó en primer plano. folklore nacional. En 1954 recibió el premio Caupolicán; Ese mismo año se casó con Luis Arce, de quien nacieron Carmen Luisa y Rosa Clara. En 1953 conoció a Pablo Neruda.

A mediados de la década de 1950, realizó un viaje por los países de la Europa socialista y, a su regreso a Francia, tuvo la oportunidad de capturar temas del folclore chileno para el catálogo de la etiqueta Le Chant Du Monde. En 1956, ya de regreso a Chile, grabó el primer álbum de la colección El folclore de Chile, una serie que garantizaría la preservación de muchos temas populares de autor anónimo. Fue nombrada directora del Museo de Arte Popular de la Universidad de Concepción y reanudó sus actuaciones en Radio Chilena.

Pasó los primeros años de la década de 1960 en Europa, donde actuó en varios países. En 1964, tuvo la oportunidad de organizar una exposición individual de su obra plástica en el Museo del Louvre, la primera de un artista latinoamericano. Nuevamente en Santiago, junto con su hermano Nicanor Parra y sus hijos mayores, animaron la 'Peña de los Parra', un nombre con resonancias legendarias en la música popular latinoamericana.

Además de ser una artista excepcional, Violeta Parra fue investigadora del folklore chileno; Su trabajo recopilado es inmenso e incluye muchos géneros, como melodías, parábolas y villancicos. Su trabajo como difusor de la expresión del pueblo campesino fue anulado en composiciones musicales como Matrimonios negros (1955), Canto la diferencia (1961), Un chileno en París (1965), Lo que dirá el Santo Padre (1965) , Rin del angelito (1966), Run run se pal Norte (1966), Volver a los diecisiete (1966) y Gracias a la vida (1966), muchos de los cuales han sido grabados por artistas destacados, desde Víctor Jara hasta Joan Baez. En Verso de despedida a Gabriela (1957) rindió homenaje a la gran poeta chilena Gabriela Mistral.

Su creatividad también la llevó a cultivar cerámica, tapicería, pintura y poesía. Los dolores y alegrías de su vida alientan los versos de lo humano y lo divino. Desafortunadamente, como consecuencia de una depresión severa, Violeta Parra terminó su vida el 5 de febrero de 1967, momentos antes de subir al escenario.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Violeta Parra. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España) Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biogra ... ioleta.htm

VIOLETA PARRA - 1955 - CANTO Y GUITARRA (FOLKLORE DE CHILE VOL I)
VIOLETA PARRA - 1956 - ACOMPANADA DE GUITARRA (FOLKLORE DE CHILE VOL II)
VIOLETA PARRA - 1956 - CANTOS DE CHILE PRESENTE AUSENTE CANCIONES INEDITAS
VIOLETA PARRA - 1957 - COMPOSICIONES PARA GUITARRA
VIOLETA PARRA - 1957 - LA CUECA PRESENTADA POR VIOLETA PARRA (FOLKLORE DE CHILE VOL. III)
VIOLETA PARRA - 1957 - LA TONADA PRESENTADA POR VIOLETA PARRA (FOLKLORE DE CHILE VOL. IV)
VIOLETA PARRA - 1960 - TODA VIOLETA PARRA (FOLKLORE DE CHILE VOL. V)
VIOLETA PARRA - 1965 - EN GINEBRA
VIOLETA PARRA - 1965 - RECORDANDO A CHILE UNA CHILENA EN PARIS
VIOLETA PARRA - 1966 - LAS ULTIMAS COMPOSICIONES
VIOLETA PARRA - 1971 - CANCIONES CASA DE LAS AMERICAS
VIOLETA PARRA - 1971 - CANCIONES REENCONTRADAS EN PARISD
VIOLETA PARRA - 1976 - DECIMAS Y CENTESIMAS
VIOLETA PARRA - 1983 - TESTIMONIO
VIOLETA PARRA - 1992 - EL HOMBRE CON SU RAZON
VIOLETA PARRA - 2003 - ANTOLOGIA
VIOLETA PARRA - 2003 - MEMORIA DEL CANTAR POPULAR
VIOLETA PARRA - 2004 - GRANDES EXITOS
VIOLETA PARRA - 2004 - PURAS CUECAS
VIOLETA PARRA - 2005 - HOMENAJE A VIOLETA PARRA
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Maori Haka & Chant

May 7, 2020, 11:19 am
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Los haka (pronunciado /jaca/) son danzas tradicionales colectivas que combinan movimientos, voces y gestos vigorosos sincronizados de la cultura Maorí de Nueva Zelanda.1​ Se suelen utilizar para diversos propósitos, como bienvenidas, aniversarios, bodas, funerales o eventos deportivos como un símbolo de competencia, hospitalidad y respeto.​ Uno de los tipos de haka más popularizados fuera de Nueva Zelanda es el de la danza guerrera.

Los grupos Kapa haka (traducido como «danza en línea») son comunes en los colegios y centros educativos. Estos grupos compiten cada dos años en el Te Matatini (traducido como «múltiples caras»), un festival y competición de artes a nivel nacional.

Los equipos deportivos que bailan el haka en los partidos internacionales han hecho que este baile sea reconocido mundialmente. Esta tradición comenzó con la gira del equipo de rugby New Zeland Natives entre 1888 y 1889, y que continúa desde 1905 hasta el día de hoy con el equipo actual de este deporte de Nueva Zelanda, los All Black, hasta el punto de convertir el haka en su símbolo a nivel mundial aunque las selecciones de Tonga, Fiyi y Samoa también tengan sus propios hakas.


1. Te Haka Te Kareti
2. Te Taniwha Putea
3. Rua Mano
4. Te Hoko Kino
5. Kamate Kamate (All Blacks)
6. Karangatia Mai
7. Nukutere
8. Maranga Ake Mai Ra
9. E Kui Ma E Koro Ma
10. Poropheihana
11. Nga Rauhanga (Chant)
12. Taku Kuri (Chant)
13. To Kupe Tae Mai (Chant)
14. Haka Nga Kura (Welcome & Challenge)
15. Pine Pine Te Kura (Chant)
16. E Noho Ana Au (Chant)
17. Haka Pakia
18. Kapanapana
19. Haka
20. Powhiri (Welcome)
21. Tena i Ruia (Challenge)
22. Utania (Welcome)
23. Kaore Te Po (Chant)
24. E Para
25. Kapanga Panga

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VA - The African Guitar Box (2012)

May 10, 2020, 4:10 am
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Conjunto de 5 cajas LP de música clásica basada en guitarra africana grabada entre 1951 y 1970. Principalmente actuaciones en solitario con guitarra y voz. El primer disco presenta música clásica de guitarra acústica de toda la historia africana, con énfasis en artistas congoleños y kenianos. El segundo disco tiene todas las interpretaciones de guitarra eléctrica con un acompañamiento mínimo en percusión, nada remotamente funk. El tercer disco presenta una mezcla de actuaciones acústicas y eléctricas. El disco cuatro presenta música compositiva más desafiante en guitarra acústica que la encontrada en los 3 discos anteriores, no es fácil de escuchar de ninguna manera, pero es muy gratificante. ¡El disco final es la guitarra acústica y la interpretación vocal más sublimes y pacíficas que puedas imaginar! Cuidado con los coleccionistas: gran parte de este material ha sido reeditado anteriormente, aunque no desde principios de la década de 1980 en LPs de compilación muy difíciles de encontrar. Los registros se encuentran en una hermosa caja hecha a mano de alta resistencia con una tapa deslizante en el lateral. Cada caja es única y resistente a su manera. La madera utilizada para fabricar la caja se recupera de la antigua ubicación de la tienda de discos de Mississippi. La cubierta es una pantalla de seda de 2 colores sobre papel con textura de alta calidad, cuidadosamente pegada a cada caja. Una verdadera labor de amor. Edición única solamente; prensado de 200 copias!

.: TRACK LISTING :.
A1 Jean Bosco Mwenda – Massanga (Congo)
A2 Francis MwaKitme – Sikepa Inongwa Mukaye (Tanzania)
A3 George Kazoka – Ulayinda Kubota (Zambia)
A4 W. John Ondolo – Kerena (Kenya)
A5 Mbasela Kunda & William Munyanda – Nina Namusonda Sanguweji (Zambia)
A6 Elijah Ismael – Jumbe Nipeleke Kwetu (Kenya)
B1 Losta Abelo – Maneno Ya Mwanyuma (Zaire)
B2 Losta Abelo – Bulayo (Zaire)
B3 W. John Ondolo – Tumshukuru Mungu (Kenya)
B4 William Siwale & Friends – Nashe 'Nsapato Nashiseka Nsuno Chalo? (Zambia)
B5 Morris Kalala – A Desayo (Congo)
B6 Unidentified – Chemirocha (Kenya)
C1 Billy Mbowa w. AGS Boys – Jane Wange (Uganda)
C2 Kawaliwa & Mary w. AGS Boys – Fumbira Abaana (Uganda)
C3 Moses Katazza & Frida Sonko w. Equator Sound – Nona Ente Yo (Uganda)
C4 Eli Wamala & Band – Hamadi (Uganda)
C5 Charles & Frida Sonko w. Orch. Melo Success – Nawuluranga (Uganda)
C6 Orch. African Jazz – Mokozi Ya Mboka (Zaire)
C7 Depiano w. Orch. Beguen Band – Christina (Zaire)
D1 Peter Tsotsi & Nashil Pichen – Mulofwa Mmoja (Kenya)
D2 Jim Lasco – Wanajiita Sisi Wahuni (Kenya)
D3 Isaya Mwinamo – Ukosefu Wa Kazi (Kenya)
D4 S.E Rogie – Please Go Easy With Me (Sierra Leone)
D5 S.E Rogie – Twist Wiith The Morningstars (Sierra Leone)
D6 S.E Rogie – A Time In My Life (Sierra Leone)
D7 S.E Rogie – Easy Baby (Sierra Leone)
E1 John Oriem & Brothers – Tereranga (Nandi) (Kenya)
E2 Kabushi & Mwenya – Mwe Baiyashi Centeleni (Zambia)
E3 Cisenga, Cungu & Musonda – Castle Beer (Zambia)
E4 Edouard Masengo / Bernard Mwale – Hata Unacheza (Kenya)
E5 Joseph Ndalo & Daniel Katuga – Nikuelezeje? (Kenya)
E6 John Ester & William Fadhili – Mwanamali Wa Maridadi (Kenya)
E7 Daniel Katuga – Ewe Nyota Zuhura (Kenya
F1 William Osale – Vijana Niambie (Kenya)
F2 Jean Bosco Mwenda – Mama Na Mwana (Congo)
F3 Patrice Ilunga & Victor Misomba – Mama Josephina (Congo)
F4 Kaseba Anatole – Muleka Mwene Ngoie (Congo)
F5 Francis Macharia – Wanjuri Wanjuri (Kenya)
F6 M. Makhuvele – Ugandzibyeli Akuxonga (Mozambique)
G1 Abdul Karim el Kably – Husenek Fa Masher (Sudan)
G2 Unknown – Kru Song (Liberia)
G3 Unknown – Mandigo Song (Liberia)
G4 Isaac Matafwani & Sunkutu – Eko Bali Mukanina Bamayo (Zambia)
G5 Soki Nambi & Chola Piana – Bonne Annee (Zaire)
G6 Mbasela Kunda & William Munyanda – Iuwale-o-iuwale (Zambia)
H1 Francis Bebey – Le Chant D'ibadan
H2 Francis Bebey – Black Tears
I1 Magwere Blind School Band – Chinama (Zambia)
I2 Joseph Mkwana – Maisha Yangu (Tanzania)
I3 Joseph Mkwana – Harusi (Tanzania)
I4 Francis MwaKitime – Umwana Ivemba (Tanzania)
I5 Francis MwaKitime – Sisambuwa Mbwill (Tanzania)
I6 Francis MwaKitime – Mwalala (Tanzania)
J1 Unknown – Kiss-cha-moto-moto (Uganda)
J2 Sibanda – Guabi Guabi (Uganda)
J3 Unknown – Ragitagi (Uganda)
J4 Obiero – Nyon Anyona (Uganda)
J5 Jean Bosco Mwenda – Mama Na Mwana (Alternative Version) (Congo)
J6 Unknown – O Desayo
J7 Unknown – Improvisation (Congo)
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Ranarim- Morgonstjarna

May 10, 2020, 10:20 pm
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The group Ranarim consists of two folk singers from northern and central Sweden (Ångermanland and Dalecarlia), a world champion keyed-fiddle player from the southernmost tip of Sweden (Skåne), a guitarist from the capital city Stockholm, a doublebass player from Södermanland and a percussionist from Stockholm.

Ulrika Bodén - vocals
Sofia Sandén - vocals
Niklas Roswall - keyed-fiddle's
Jens Engelbrecht - guitar, mandola
Anders Larsson - doublebass
Sebastian Notíni - percussion

Ranarim plays Swedish folk music in the new tradition. Songs and tunes found after careful searching are blended with new music in the group's own arrangements. Join Ranarim in an enchanted world of drama, excitement, love and magic. Music that has wandered through the ages from singer to singer, from musician to musician. Music that thrives in our time. Music that connects to the past but looks ahead to the future. With dynamic energy and a contagious musical joy, Ranarim weaves its own colourful tapestry.



1. Maj Vare Valkommen 
2. Bondepraktikan 
3. Kott Pa Benen 
4. Inte Har Jag Pengar Inte Ar Jag Pank 
5. Falkvard Lagermansson 
6. Karleken Slutar Sa Sena 
7. Brinna Inga Hjartan 
8. Hem Igen 
9. Morgonstjarna 
10. Ab-Aldste Broderna 
11. Sjomansvisan 
12. Lyby Lasse 
13. Vinden Vander Om 
14. Stolt Signhild 
15. Fagel I Fjarran


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Mayra Andrade -manga

May 11, 2020, 10:17 pm
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Mayra Andrade nació en 1985 en Cuba, hija de padres caboverdianos. Creció en Cabo Verde pero ha vivido en Senegal, Angola, Alemania y por fin en Francia, aunque siempre guarda en su corazón el amor por Cabo Verde. Apasionada desde pequeña por la música, a los dieciséis años se presentó al concurso de canción de la Francofonía en Canadá y triunfó frente a varias decenas de candidatos, logrando así para Cabo Verde la primera medalla internacional de oro.

Después de recorrer varios festivales del mundo, regresó para grabar en 2006 su primer álbum: Navega (Sony-BMG). Con este trabajo, Mayra se impone como una de las promesas de la música de Cabo Verde, recogiendo el testigo de grandes voces de la isla como la de Cesaria Évora.

Así, sin dejar de beber de la cultura caboverdiana, Mayra Andrade impone su estilo único sobre el escenario. Su cálida voz y sus interpretaciones ricas en colores y ritmos hacen de Mayra una artista singular. Puede cambiar con una facilidad increíble de “morna” a “funana” y de “coladeira” a “batuque” añadiendo su toque personal en estilo jazz.





1 Afeto 4:24
2 Manga 2:50
3 Pull Up 2:24
4 Vapor di Imigrason 3:40
5 Kodé 3:17
6 Limitason 3:48
7 Segredu 3:06
8 Plena 4:22
9 Tan Kalakatan 3:57
10 Terra da Saudade 2:36
11 Guardar Mais 3:53
12 Badia 2:52
13 Festa Sto Santiago 2:58

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George Telek - Serious Tam

May 14, 2020, 11:32 am
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George Telek Mamua , comúnmente conocido simplemente como Telek es un músico y cantante de Papua Nueva Guinea . Ha ganado un premio ARIA por este álbum homónimo de 1997. Telek canta en su lengua materna, el kuanua , y en Tok Pisin . Muchas de sus canciones se cantan en armonías de tres partes que son características de los Tolai .

Nacido en 1959 en la aldea de Barovon, cerca de Kokopo, en la provincia de East New Britain, Telek es uno de los pocos cantantes de Papúa Nueva Guinea que ha ganado seguidores internacionales.Telek cantó con varias bandas en Papúa Nueva Guinea al principio de su carrera, especialmente con el grupo contemporáneo Tolai Painim Wok, donde fue el vocalista principal.



  1. Midal
  2. Bunaik
  3. A pol
  4. Tam serio
  5. Boystown
  6. Iamagit
  7. Barturana (duque de Yorks)
  8. Tolili
  9. Balamaris
  10. Ir Ralom
  11. Tolili Kundu
  12. Waitpela Gras
  13. Lili
  14. Tutana Kuraip
  15. Talaigu
  16. Ririwon




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Nuru Kane - Number One Bus

May 15, 2020, 9:21 pm
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Nuru Kane es original de La Medina, Dakar. Durante el año 2006, su primer álbum "Sigil" fue vendido en todo el mundo destacando por la calidad de su producción y la riqueza de sus composiciones. "Number One Bus" , su segundo álbum, lanzado a principios de 2010 supuso el asentamiento de su carrera. Una carrera que empezó en una compañía de danza y con Youssou N´Dour como referente artístico. En todo este tiempo que ha pasado en los escenarios las influencias no han dejado de incorporarse a su propuesta. Así el blues queda patente y en conexión con su trabajo en las tierras de Mali. El reggae o el rap son toques que le aportan modernidad. La música Gnawa otro de sus descubrimientos en su paso por tierras marroquíes, dejó en él una profunda huella. Si todo esto no nos dijera suficiente de esta inquieta personalidad hasta por rumba se nos arranca en este disco y cantando en castellano el tema titulado "Corriendo".






1 Poulo 3:38
2 Number One Bus 4:01
3 Love 3:33
4 Anna 4:34
5 Bobo 3:42
6 Maman 4:13
7 C'est ça 3:15
8 Fila 2:55
9 Samaxol 3:11
10 Ya For 4:31
11 Salam 3:58
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Trobar de Morte DISCOGRAFIA

May 17, 2020, 3:19 am
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Trobar de Morte es un grupo español de Medieval, Folk y Pagan. Nace como proyecto musical de la instrumentista española Lady Morte, inspirado en la vertiente más fantasiosa de la Edad media y los mundos de fantasía. Ha publicado cinco discos y un EP, y ha actuado a lo largo y ancho de España, así como en otros países como Portugal, Alemania, Rumanía, Bélgica,Italia, Holanda o Dinamarca. https://es.wikipedia.org/wiki/Trobar_de_Morte

2004 Fairydust
2004 Nocturnal Dance of the Dragonfly
2006 Reverie
2008 Legends of Blood and Light
2011 Beyond The Woods - The Acoustic Songs
2012 The Silver Wheel
2016 Ouroboros
2018 Witchcraft




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Kailash Kokopelli-Ursa

May 20, 2020, 10:07 pm
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Kailash Kokopelli es terapeuta de sonido, artista y músico del mundo interior.

También es fotógrafo y profesor de Kailash Chi Movements y Songdances.

Como multi instrumentista, compositor y productor es un músico de estudio e invitado internacionalmente solicitado que toca una gran variedad de instrumentos (de viento) que van desde Didgeridoo hasta flautas (nativas americanas), así como instrumentos de láminas, paisajes sonoros percusivos, tambores, cuencos de cristal, instrumentos de cuerda y voces.

En los últimos 20 años, Kailash Kokopelli ha compartido su MÚSICA MUNDIAL INTERIOR en cada continente tocando a miles de personas en todo el mundo.

Kailash actúa en escuelas, universidades, instituciones terapéuticas, conferencias, festivales, privados. y en salas de conciertos en todo el mundo, guiando a su audiencia en viajes musicales a la fuente interna.

Ha sido reconocido como un hermano tribal y creador de puentes por los pueblos indígenas. así como un pionero de la terapia de sonido por médicos y médicos internacionales. Muchos terapeutas utilizan la MÚSICA MUNDIAL INTERIOR de Kailash Kokopelli por sus cualidades relajantes y curativas.

Kailash es uno de los primeros jugadores de didgeridoo alemanes que ayudó a introducir el didgeridoo al mundo occidental. En 1996 organizó el Dreamtime Festival como la primera reunión internacional de didgeridoo en Suiza. Kailash tiene más de 10 años de experiencia en el sonido terapéutico. y efecto curativo de las frecuencias armónicas vibracionales del didgeridoo.

Muchos han encontrado alivio y curación durante las sesiones de masaje de sonido individuales y grupales así como en las celebraciones del sonido curativo, los viajes chamánicos y los conciertos.

Las CANCIONES DE SONIDO y SONIDOS del didgeridoo, la flauta nativa americana, los cuencos de cristal, los tambores y el espíritu encantador han sido una medicina para el corazón y el alma. de la audiencia internacional de Kailash de todos los ámbitos de la vida.

Inspirado por su tiempo con la gente de medicina nativa americana y su participación en ceremonias y bailes, Kailash entrelaza elementos chamánicos en su MÚSICA INTERNACIONAL meditativa y dinámica. Kailash Kokopelli lleva el sonido sagrado, la canción y la danza como medicina para la gente.

Como ciudadano planetario, es un vagabundo entre los mundos, un bailarín de la paz y la tierra. Promover la paz mundial a través del intercambio de claves para la paz interior y la curación.

Kailash Kokopelli ha aparecido en diferentes programas de radio y televisión en Europa, Nueva Zelanda y Estados Unidos. y está trabajando también con niños, discapacitados y ancianos en todo el mundo. Ha estado llevando a cabo ceremonias de matrimonio, nacimiento y convulsiones y ofrece ayuda para personas moribundas.




https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_mCNoAxNL61Xxn6aA7upk84sD5OwKMH2i0



1 Alba 3:35
2 Ara 0:52
3 Ati 3:27
4 Oso 0:57
5 Alva 13:30
6 Uva 4:20
7 Ulva 1:08
8 Kavama 14:45
9 Ursa 3:55
10 Makowa 3:05
11 Mato 7:04
12 Yana 1:31
13 Anu 5:33
14 Inana 1:20
15 Mana 3:22
16 Ota 3:23
17 Tara 1:03


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Quilapayun 1966-2007

May 21, 2020, 9:17 pm
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Quilapayún, cuyo nombre significa "Tres barbas" en mapudungun, fue fundado en el invierno de 1965 por los hermanos Julio y Eduardo Carrasco y Julio Numhauser como integrantes. Intentando hacer una música que buscara las raíces de la nación, el grupo incorporó elementos musicales chilenos y latinoamericanos que determinarían su estilo. Su primera presentación fue en la peña de la Universidad Católica de Valparaíso y su primer festival fue el Primer Festival Nacional de folclor, que se realizó en Viña del Mar y donde obtuvieron el primer lugar. Su primer disco, homónimo, lo grabaron el año 1966.

En sus orígenes fueron asesorados por Ángel Parra. Sin embargo, su primer director musical fue Víctor Jara, a quien conocieron en Valparaíso y con quien trabajaron durante varios años, consolidando su estilo musical y escénico. Juntos ensayaban en la Casa de la Cultura de Ñuñoa, y juntos ganaron el Primer Festival de la Nueva Canción Chilena, el año 1969, con la canción "Plegaria a un labrador". La relación con Víctor Jara concluyó ese mismo año.

Durante todo este tiempo sufrieron varios cambios de integrantes: Se retiró Julio Numhauser, tuvo una breve participación Patricio Castillo, y se incorporaron Carlos Quezada y Willy Odó. Posteriormente, a comienzos de los años setenta, se fue Julio Carrasco y se incorporaron Hernán Gómez y Rodolfo Parada, quedando constituida así la formación clásica del grupo.

En 1969 apareció su disco Basta, editado por el sello DICAP (Discoteca del Cantar Popular), y posteriormente sus obras Por Vietnam y Quilapayún 4. Desde 1970 participaron activamente en las campañas y la difusión cultural del gobierno de Salvador Allende, circunstancia en la que realizaron giras por Europa y Latinoamérica dando a conocer la cultura chilena. Asimismo, derivaron su música a la canción contingente, de protesta y claramente alineada con la Unidad Popular.

El golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973 los encontró de gira por Francia, país al que habían viajado en agosto de ese año. Desde ese momento se inició un largo y doloroso exilio, que no les impidió continuar su labor creadora y realizar un muy interesante trabajo conjunto con el pintor chileno radicado en Europa Roberto Matta.

El grupo sufrió importantes cambios en el exilio, lo que los llevó a interrumpir su labor. Sin embargo, el legado del grupo Quilapayún se transformó en uno de los principales testimonios del movimiento Nueva Canción Chilena.




Álbumes en estudio

1966 - Quilapayún (128-160 kbps)
1967 - Canciones folklóricas de América (con Víctor Jara) (128 kbps)
1968 - Quilapayún 3 (128 kbps)
1968 - Por Vietnam (128 kbps)
1969 - Basta (192 kbps)
1970 - Quilapayún 4 (128-192 kbps)
1970 - Santa María de Iquique (192 kbps)
1971 - Vivir como él (128 kbps)
1972 - Quilapayún 5 (128-192 kbps)
1973 - La Fragua (192 kbps)
1975 - Adelante! (192 kbps)
1975 - El Pueblo Unido Jamás Será Vencido (160 kbps)
1976 - Patria (192 kbps)
1978 - Santa María De Iquique (Relatos En Frances Por Jean-Louis Barrault) (192 kbps)
1979 - Umbral (VBR ~160 kbps)
1980 - Alentours (160 kbps)
1980 - Darle al otoño un golpe de ventana, para que el verano llegu (160 kbps)
1982 - La Revolución y Las Estrellas (192 kbps)
1987 - América Latina (maxi-single) (256 kbps)
1987 - Survarío (128 kbps) 1992 - Latitudes (192 kbps)
1999 - Al Horizonte (192 kbps)
2007 - Siempre (192 kbps)

Álbumes recopilatorios

1993 - Instrumental (144 kbps)
1994 - Le Meilleur de Quilapayún (192 kbps)
1998 - Antología 1968-1992 (192 kbps)
2005 - La Vida contra la Muerte (160 kbps)


Álbumes en directo

1973 - Festival de Viña del Mar (192 kbps)
1974 - En Palau Blau Grana, Barcelona (128 kbps)
1974 - Konzert für Chile (160 kbps)
1974 - Yhtenäistä Kansaa Ei Voi Koskaan Voittaa (128 kbps)
1977 - En vivo en Alemania (192 kbps)
1978 - In concert for Chile (128 kbps)
1982 - Concierto en México (192 kbps)
1984 - En vivo en el Olympia de París (192 kbps)
1986 - En vivo en Francia (192 kbps)
1989 - ¡En Chile! (160 kbps)
2003 - A Palau (192 kbps)
2003 - El Reencuentro: Cantata Santa María de Iquique (197 kbps)
2005 - 40 Aniversario - Teatro Providencia (256 kbps)


SOLO

Eduardo Carrasco: 1996 - Carrasco (192 kbps)
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Didjworks - Tranceformation

May 22, 2020, 11:55 pm
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Simon 7, founder of Nature Beat Music and band Didjworks, hails from Melbourne Australia and lived in New York City for over 10 years.
After working as a guitarist/songwriter in Europe and the US for many years rediscovered the Didjeridu on a return trip, and has been mesmerizing audiences with its rich earthy trance-like sound ever since.
Didjworks as well as participating regularly with the Music Under New York program has also performed at Woodstock 95, Alvin Ailey dance concerts, Wendy Perron s Downtown Underground, Andrea Marcovicci at the Symphony Space, Lincoln Center Outdoors, Bang on a Can with the Cassatt Quartet Alice Tully Hall, Nation public radios New Sounds, Garrison Keillor’s A Prairie Home Companion, and many other plays and club gigs.
Simon is also a member of the band Mecca Bodega who recorded the soundtrack to HBO’s Subway Stoties and have performed many festivals and toured the US and Australia.
Nature Beat Music has released 6 CD albums to date, Didjworks, New York Dreaming, Grand Central, Live, Citizen of the World, and Collective Unconcious.
Simon is also heard on 3 Albums with Mecca Bodega including a live CD recorded at the Celebrate Brooklyn Festival, Mike Mainiers’ The Dreamings and many other soundtracks and TV commercials.
Simon moved back to Australia and resides in Byron Bay.






1 Outbreak of Happiness 5:57 
2 Breath of Life 5:34 
3 Intuvalation 5:28 
4 Peace in Madagasca 5:32 
5 Voice in the Wilderness 5:37 
6 Soul of Africa 5:16 
7 A Day in the Sun 5:42 
8 World of Wonder 5:44 
9 Echoes 5:32 
10 Rhythum Culture 5:23 
11 Outback Sunrise 5:39

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Coladera – La Dôtu Lado

May 23, 2020, 9:38 am
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Subido por Marhali.

La Dôtu Lado (2019) es el segundo proyecto musical transatlántico de Coladera, un sonido exquisito y aventurero que agrega diversas capas sobre las ricas tradiciones de sus principales impulsores: los cantantes y guitarristas Vitor Santana, de Belo Horizonte (Brasil), y el portugués João Pires. Junto al músico caboverdiano Miroca Paris (que se dio a conocer como percusionista de Cesária Évora) y al percusionista Marcos Suzano, trazan nuevas rutas musicales uniendo los sonidos de batuque y funaná de Cabo Verde, y lundum de Angola, con profundos ritmos inspirados en el candomblé y el fado. Y al hacerlo, han abierto una fascinante narrativa sobre el comercio de esclavos, la espiritualidad y el amor.

El álbum reúne una serie de colaboraciones que incluyen a Aline Frazão, José Eduardo Agualusa, Dino Santiago, Bilan, Ana Sofia Paiva, Edu Mundo, Brisa Marques y Marcos Suzano: tres universos musicales (Brasil, Portugal y Cabo Verde) que honran los ritmos lusófonos.

01. La Dôtu Lado
02. A Luz De Yayá
03. Primer Letra
04. Mandinga
05. Mantafro
06. Algum Lugar Em Nós
07. Funaná Do Moreré
08. Céu Azulino
09. D´Orixá
10. Deserto Do Sal
11. Gira

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Carminho – Maria

May 23, 2020, 9:50 am
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Subido por Marhali.

Maria (2018) es el quinto álbum de Carminho y, posiblemente, el más personal, ya que la artista además de componer siete de los doce temas que lo forman, también ha participado en la producción del mismo junto a Diego Alves, Marta Pelágio y João Pedro Ruela (Ruela Music). Por eso tal vez haya decidido llamarlo con su primer nombre, ya que aunque todos la conocemos como Carminho, su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade.

El álbum comienza con un tema cantado a capella, "A Tecedeira" que además tiene música y letra de la propia Carminho y que es una carta de presentación bellísima de lo que vamos a encontrar en este disco: fado del bueno con la vibrante personalidad de la voz de Carminho a flor de piel en cada tema, como ya demostrara en su extraordinario debut Fado (2009, considerado como el mejor álbum revelación de fado de la última década).

Además de este primer fado, "Estrela", "A Mulher Vento" y "Poeta" tienen letra y música de la artista que también firma las letras de "Se Vieres" que canta con base del fado tradicional, "Fado Santa Luzia", de Armando Machado, y una maravilla que es "Desengano", que tiene como base el "Fado Latino", de Jaime Santos, y la música de "Quero Um Cavalo de Várias Cores", de Reinaldo Ferreira.

En Maria Carminho se acompaña de Bernardo Couto, José Manuel Neto y Luís Guerreiro a la guitarra portuguesa; a la viola de fado ha grabado Flávio César Cardoso; José Marino de Freitas, al bajo; João Paulo Esteves da Silva, al piano, y Filipe Cunha Monteiro al pedal steal y guitarra elétrica, que también es tocada por la propia Carminho en "Estrela".

Maria cuenta también con un temas de Joana Espadinha ("O Menino e a Cidade"); "Pop Fado" de César Oliveira y Fernando Carvalho, y "Sete Saias", con letra y música de Artur Ribeiro. Un disco verdaderamente emocionante en el que Carminho se confirma como la gran voz del fado y una de las artistas portuguesas con mayor proyección internacional de la historia.

01. A Tecedeira
02. O Começo (Fado Bizarro)
03. Desengano (Fado Latino)
04. O Menino E A Cidade
05. Estrela
06. Pop Fado
07. A Mulher Vento
08. Poeta
09. Se Vieres (Fado Sta. Luzia)
10. Quero Um Cavalo De Várias Cores
11. Sete Saias
12. As Rosas

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