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Safir Nòu - Groundless

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Safir Nòu (Antonio Firinu) es un compositor, guitarrista y acordeonista. La música recogida en el álbum Groundless podría ser identificada como "música total", influenciada por diferentes estilos y géneros, de la música mundial al post-rock al jazz. Los sonidos y las melodías llevan al oyente a una dimensión etérea e hipnótica, que es la dimensión "sin fundamento".


Antonio Firinu nació en Iglesias (Cagliari) en 1981. Es compositor, guitarrista y acordeonista. Estudió guitarra en Bolonia, en la Academia "Ivan Illich" y estudió guitarra de jazz en los "Nuoro Jazz Seminars 2008 a 2010". Experimentó diferentes bandas en Bolonia, Milán y Ámsterdam, y colaboró ​​con muchos artistas. Fundó la Banda Zudemà en Bolonia, y compuso con ellos tres Álbumes: "Nur" (2007), "Sapuri" (2008) y "Parole e Cous Cous" (2010). Fue acordeonista en la "Banda Katapulta" de Amsterdam de 2011 a 2012, y en "Yacobay klezmer Band" en Cagliari de 2013 a 2016. Ha colaborado con muchos músicos

Antonio Firinu - Guitarra clásica Acordeón y electrónica
Yaacob González García - Violín
Matteo Marongiu - Contrabajo
Andrea Cogoni - Baterías y percusiones
Gianluca Pischedda - Violonchelo
Marco Caredda - Vibrafono
Sergio González Cuervo - Paisajes sonoros

https://safirnou.bandcamp.com/album/groundless





1.Safir nòu - Imaginary Cloud 06:32
2.Safir nòu - New Lunacy 06:56
3.Safir nòu - Floating on a note 08:52
4.Safir nòu - Blue dance 08:19
5.Safir nòu - Land-escape 04:18   
6.Safir nòu - Puppets' waltz 03:54
7.Safir nòu - Diary from the groundless land 04:2
3


Zvuloon Dub System - Anbessa Dub

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Zvuloon Dub System es la principal banda de reggae de Israel. Adoptando su nombre de una de las doce tribus de Israel, la banda fue formada en 2006 por los hermanos Smilan. Ellos compartieron la misma pasión por el reggae y el dub de las raíces, con influencias de estilos musicales variados, como el jazz etíope de los años 70, soul, funk y jazz de los Estados Unidos, junto con la música israelita mizrahi. 

Grupo:

Gili Yalo - voces principales
Inon Peretz - trompeta
Ilan Adiri - saxo tenor
Ilan Smilan - guitarra principal
Simon Nahum - guitarra rítmica
Lior Romano - piano y órgano
Mal Marcus - bajo
Asaf Smilan - batería y percusión
 

ArtistasInvitados :

Mahmoud Ahmed - voz (5)
Zemene Melesse - voz (8)
Yaacov Lilay - voces (7)
Krar (1,7,10)
Dejen Manchelot - masinko (10)
Roei Hermón - trompeta (6, 9)
Yonatan Voltzok - trombón (1-5, 7)
Maayan Milo - trombón (6,8,9)
Omri Abramov - alto Sax (1-3, 5-7,9)
Elad Gellert - saxo baritono (1)
Shay Sattaman Jacovi - coros (8)





1.Alemitu 03:52
2.Tenesh Kelbe Lay 03:47
3.Sab Sam 03:55
4.Man Begelagelgni 03:30
5.Ney Denun Tieshe - feat. Mahmoud Ahmed 04:25
6.Yehoden Aweteche Lengeresh 03:52
7.Tsbukti Fetret – feat. Yaacov Lilay 04:06
8.Endemenesh - feat. Zemene Melesse 03:58
9.Zelel Zelel 04:09
10.Yene Almaz 03:39



Quilapayun - 35 Años

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Quilapayún es una banda chilena de música folclórica y que formó parte de la llamada Nueva Canción Chilena durante la década de 1960. Fue formada en Santiago de Chile el 26 de julio de 1965 por Julio Carrasco y Julio Numhauser, quienes invitaron en un primer momento al hermano del primero, Eduardo Carrasco, quien se suponía sería sólo un intérprete temporal.1

Quilapayún ha lanzado treinta y cuatro álbumes oficiales, de los cuales veinticinco son álbumes de estudio, seis en vivo y tres recopilatorios. Además de esto, posee numerosos álbumes de recopilaciones lanzadas por las casas discográficas, así como álbumes en conjunto con otras agrupaciones, EP, sencillos y vídeos musicales de sus giras.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Discograf%C3%ADa_de_Quilapay%C3%BAn







1.La muralla (Nicolás Guillén - Quilapayún)
2.Los hambrientos piden pan o [La carta] (Violeta Parra)
3.La batea.txt (3ª versión) (Rodolfo Parada - Hernán Gómez - Tony Taño)
4.Te recuerdo Amanda (Víctor Jara)
5.Julián Grimau o [Qué dirá el Santo Padre] (Violeta Parra)
6.Plegaria a un labrador o [La plegaria a un labrador] (Víctor Jara - Patricio Castillo)
7.Duerme negrito (Popular)
8.Canto a la pampa o [Canto a la huelga] (Francisco Pezoa - Tomás Gabino Ortiz)
9.Soy del pueblo (Carlos Puebla)
10.Tío Caimán (Carlos Francisco Chang Marín)
11.Premonición a la muerte de Joaquín Murieta (Pablo Neruda - Eduardo Carrasco)
12.Allende (Rodolfo Parada - Orlando Jimeno-Grendi - Patricio Wang)
13.Malembe (Quilapayún - Popular cubana)
14.El alma llena de banderas o [Con el alma llena de banderas] (Víctor Jara)
15.Mi patria (Fernando Alegría - Eduardo Carrasco) 16.Suite movie (Manos Hadjidakis)
17.Ronda del ausente (Fernando Alegría - Hugo Lagos)
18.El pueblo unido jamás será vencido (Sergio Ortega)

Хартыга и Альберт Кувезин - Агитатор

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Первобытная энергия тувинской земли стонет в каждом звуке, звенит в меди саксофона и неуемном реве электрогитары, грохочет в барабаннных ударах, отбивающих ритм степных табунов. Ты легко уносишься под это медитативное камлание в едином потоке вместе с искрами костра в звездное тувинское небо.

Вы услышите два лучших голоса Тувы: Альберта Кувезина и Начына Чореве в сопровождении группы “Хартыга”. Игил, дошпулуур, электрогитара и саксофон - гармоничное сочетание звука, медитации и шаманства, музыка столетий в современной мировой культуре.

Альберт Кувезин – певец, гитарист и композитор, создатель легендарной этно – роковой группы “Ят-Ха”, со-основатель знаменитого тувинского ансамбля “Хуун-Хуур-Ту”. Оба коллектива гастролируют по всему миру с 1991 года и выпустили множество альбомов






01. Чаахоль (03:56)
02. Аазышкын (07:21)
03. Чавыдак (03:29)
04. Агитатор (04:42)
05. Мегечи Хам (04:49)
06. Кынгыргай - Кон (04:26)
07. Кокей - Ноян (03:19)
08. Борбак (06:18)
09. Тулаа - Шынаа (06:41)


Quempallou - Once Años Mallando

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El grupo folk Quempallou celebra once años de fiesta en los escenarios con una recopliación con lo mejor de su discografía. Cinco cortes de cada uno de sus discos, que hacen que quien escuche este Once anos mallando (Zouma Records 2010), se pueda hacer una buena idea del espíritu y la evolución del grupo.

Fue allá por el año 99 del pasado siglo, cuando un grupo de mozos gallegos se juntaron para dar forma a un proyecto folk que se llamó Quempallou. Palabra sonora con una historia que contar y que incluso se transmutó en Galinglish de mano de sus seguidores al grito de: “let’s go, Quempallou!!”.
Una formación que tuvo que ir cambiando por circunstancias naturales, pero que siempre buscó un camino claro: el folk gallego sin complejos; alegre, con calidad y originalidad.

https://gl.wikipedia.org/wiki/Quempallou










1. A Rabuda (3:53) 
2. Quempallou (4:00) 
3. Moreniña (3:55) 
4. Muiñeira do Incio (2:53) 
5. Quen teña viño (4:16) 
6. Xan (3:08) 
7. En que Terra me botaches (4:36) 
8. Os sucos... casiquecola (5:14) 
9. Xota da relúa (3:55) 
10. Rosiña... na Quinta (4:20) 
11. Que chova!! (4:03) 
12. Levados do mar (4:53) 
13. Muller miña (3:44) 
14. Coa lingua de fóra (3:18) 
15. Ninguén!! (Quempa-hop) (5:01)

Joe Driscoll & Sekou Kouyate - Monistic Theory

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Joe Driscoll & Sekou Kouyate Continue Their Musical Quest for Common Ground New album Monistic Theory released May 13th on Cumbancha.

"African, funk and rap influences combine in an energetic performance that ends with a powerfully political surge. They have developed into a tight, attacking unit, in which the virtuoso kora work is integrated into sturdy playing from the band. Exuberant virtuosic fusion."- The Guardian

Recently released in May, Joe Driscoll & Sekou Kouyate’s electrifying second album, Monistic Theory, derives its title from the concept that reality is a unified whole and that all existing things can be ascribed to or described by a single concept or system. It's an apt philosophy for this boundary-crossing collaboration, one that brings together two musicians from vastly different backgrounds in search of the commonalities that are uniquely revealed by artistic expression.

Joe Driscoll has gained fame over the last decade for his unique blend of folk, funk and hip-hop. Sekou Kouyate, from Guinea, is one of the most innovative and virtuosic players of the kora, the 21-stringed West African harp. When these two seemingly disparate artistic forces are combined, an incendiary musical reaction takes place. "Our styles are totally different but complementary," Driscoll explains, "It's like putting baking soda and vinegar together."

Joe and Sekou first met in 2010 at a festival in Marseille, France and this explosive combustibility was evident in their jaw-dropping live shows and energizing debut album, Faya, which was released by Cumbancha Discovery in 2014. Performing as a quartet, backed by drums and bass, Joe & Sekou have performed at hundreds of festivals and venues across Europe, North America and Africa, earning rave reviews whenever they set foot on stage.

It hasn't always been an easy ride. Music may be their common language, but that doesn't help much with the day-to-day communication needed for touring, recording and promotion. Visa issues have provided a harsh reality check to their utopian vision more then once. Add to that the fact that Sekou's homeland was a victim of the Ebola crisis for over two years, making anyone traveling with a Guinean passport a target of excessive scrutiny. Once, when driving across the border from Canada into the US, the band was detained by border agents in HAZMAT suits, refusing to let them enter the country until they were cleared by medical personnel. A group of spirited, creative people stuck together in a small van for long stretches of hard touring will do more then anything to put the unifying power of music to the test.

Yet no matter what happens behind the scenes, the minute Joe & Sekou get on stage or in the studio, all of the travails of daily life in the music industry fall away and magic erupts. While their personal histories and personalities are quite different, there is an undeniable music-umbilical connection that connects these two brothers from another mother. When Joe & Sekou make music together, there is a chemical reaction that is impossible to explain and even more difficult to restrain.

Joe & Sekou's sophomore album, Monistic Theory was recorded at the Cumbancha studios in Vermont during one of the coldest winters on record. While the weather outside was frightening, the studio was ablaze with Kouyate's scorching kora licks, Driscoll's lyrical acrobatics and the potent rhythmic underpinning of drummer Jimbo Breen and bassist John Railton. After years of presenting their high energy, broadly appealing show to stages across the world, the ensemble had settled into a deep groove. This dramatic evolution and solidification of their musical interaction is clearly evident on Monistic Theory, which features a selection of tight, catchy, and funky songs.

The album opens prophetically with the sound of trickling water and the voice of Oren Lyons, a Native American author, activist and Faithkeeper from upstate New York, near Joe Driscoll's hometown of Syracuse. "Water is life, water is the foundation of life. It is life. We are water," muses Lyons. From there it's off to the races of the instrumental opener "Tamala," as Sekou Kouyate's fingers fly effortlessly across the kora like water trickling over rocks in a mountain stream.

The album's second track, "Just Live" finds Joe Driscoll waxing poetic on his philosophy of life. "Now history's a mystery with the ages unsung / We've forgotten all of their myths, even our mother tongue / Some folks learn to compete, others love to create / Some could eat until content, and yet they leave a full plate … So keep your minds in the moment, the moment in the mind / Open the doors, raise the blinds, cause it's about time / Just live." Rarely has there been such a head-bobbing life lesson.

"Tokira" is Monistic Theory's sing along anthem, the song that will have lighters held high at future concerts. With "Tokira" Sekou reveals he is not just a kora virtuoso, he's also a talented songwriter with a gift for crafting a great melody. Driscoll's lyrics give the song added poignancy, as he reflects on what his 10-year old self would think about where life has taken him so far.

Other highlights on Monistic Theory include the jaw-dropping kora playing on "Barra" and the inspirational and timely call for unity on "Rising Tide," on which Driscoll sings over a children's chorus, "When we realize / There'll be nowhere to hide / They can't divide once they see we're all one tribe." Driscoll continues to provide words of wisdom on the dreamy jam "Badiya," reminding us "Whether you break or bend / Whether you fade or mend / The only true salvation is love in the end."

The album ends with a live, instrumental cover of the Stevie Wonder classic "Master Blaster," although you've surely never heard it played quite like this before. Recorded in front of packed house at the Westcott Theater in Syracuse, New York on a hot summer night, the track demonstrates the remarkable musicianship and unstoppable groove of this astonishing pairing.

There's been a lot of water under the bridge for Joe & Sekou after over five years of collaboration, and neither of them could have predicted that night they met in Marseille that they'd still be making music together this far downstream. "I met Sekou, and I said, 'Hey, man, let's work on this for a while.' It was one of those 'follow the river' things, and I went with it," Driscoll recalls. With Monistic Theory, Joe & Sekou reveal that their odyssey is far from over, and if their fans around the world have anything to say about it, it’s a voyage that will continue for years to come.

 http://store.cumbancha.com/album/monistic-theory






1. Tamala 03:31 
2. Just Live 03:29 
3. Tokira 04:16 buy track 
4. Monistic Theory 03:59 
5. Batafa 03:49 
6. Barra 04:21 
7. Rising Tide 03:33 
8. Wama 04:34 
9. Badiya 04:17 
10. Master Blaster (Live) 03:47

Quilapayún - Cantata de Santa María de Iquique

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La historia que esconde la grabación recuperada por Quilapayún

Los originales de la "Cantata Santa María de Iquique" fueron destruidos luego del golpe militar, pero esta semana apareció una copia casi intacta que servirá para una reedición. "Nunca imaginé la importancia que tenía", dice la mujer que encontró el registro.

En enero de este año82014), Maritza Las Heras tenía que embalar todas sus pertenencias para una mudanza. Se vio obligada a escarbar en un viejo baúl que nunca había explorado a fondo y que guardaba un tesoro casi intacto: una caja escondía una cinta copiada desde el máster de la Cantata Santa María de Iquique.
Inspirado por la matanza ocurrida en la Escuela Santa María en 1907, Luis Advis escribió la obra especialmente para Quilapayún, quienes la grabaron junto al actor Héctor Duvauchelle y la editaron en 1970, a través del sello Dicap.
¿Cómo llegó la cinta a ese baúl? Maritza fue parte del Ballet Folklórico de Chile Pucará, que en esos años montó un espectáculo de danza junto al grupo, y la copia fue hecha para apoyar las actuaciones o los ensayos. “No sé si la ocupamos para los recitales o para otra cosa, pero llegó a mis manos y alguien me dijo que la guardara”, recuerda la ex bailarina. “Y yo, fiel a las órdenes, la guardé tan guardada que durante años olvidé que la tenía en la misma bolsa y caja, tal como me la pasaron”, añade.
La caja lucía el nombre del disco con la letra de Eduardo Carrasco, uno de los fundadores de Quilapayún, a quien Maritza contactó para contarle de su hallazgo. “Nunca me imaginé que tenía tanta importancia”, dice.
Eduardo Carrasco, en cambio, no tuvo dudas sobre el valor del hallazgo. Quilapayún grabó la CantataSanta María de Iquique en el estudio que IRT tenía en un subterráneo de calle Catedral, junto a la Plaza de Armas, pero las cintas originales fueron destruidas luego del golpe militar, tal como ocurrió con muchos registros de la Nueva Canción Chilena.
Años más tarde, el disco fue reeditado a partir de copias de vinilo, pero la cinta recién encontrada tiene un interés único: “No es la misma calidad. Comparé las dos cosas y realmente la diferencia es impresionante, porque es un sonido mucho más potente y tiene muchas más frecuencias”, asegura Carrasco. “Cuando haces un disco desde una cinta, pierdes bastante del sonido original, entonces lo bonito es que tenemos la cinta en buen estado y con los procedimientos actuales podemos recuperar un sonido mucho mejor”.
La copia solo tiene daños menores en la parte final del disco, los que deberán ser reparados en un proceso que ya comenzó. La grabación fue digitalizada por Juan Pablo Carvajal y ahora es masterizada por Jorge Fortune en los estudios Triana, con miras a una próxima publicación en CD y en vinilo.
“La idea es sacar de circulación los discos y reemplazarlos por esta versión, que es mejor”, adelanta Carrasco. “Creo que la próxima semana ya vamos a tener la masterización hecha y eso hay que entregarlo al sello Warner, que tiene los derechos para editar la Cantata. Luego trataremos de armar algo, como un concierto especial”.
Mientras, la cinta seguramente será destinada al Fondo Quilapayún, que contiene innumerables archivos, fotografías, afiches, grabaciones y cartas, entre otros objetos, y que es resguardado por el Instituto de Música de la Universidad Católica.

http://radio.uchile.cl/2014/03/21/la-historia-que-esconde-el-m%C3%A1ster-recuperado-de-la-cantata-santa-mar%C3%ADa-de-iquique/


La «Cantata de Santa María de Iquique» es una cantata compuesta por el músico chileno Luis Advis hacia fines de 1969 e interpretada principalmente por el grupo Quilapayún. La obra musical está compuesta por dieciocho partes, incluyendo cinco relatos interpretados por Héctor Duvauchelle, en que se narran los sucesos de la Matanza de la Escuela Santa María, ocurrida el 21 de diciembre de 1907 en la ciudad de Iquique, en el norte de Chile, y perpetrada por el general Roberto Silva Renard, en el gobierno del presidente Pedro Montt.
La Cantata Popular, como también se denomina, es considerada como una de las obras cumbres de la llamada Nueva Canción Chilena que se desarrolló desde fines de los Años 1960 y los Años 1970. Es el séptimo álbum de estudio oficial de Quilapayún, lanzado originalmente en 1970 bajo el nombre de Santa María de Iquique, y mezcla elementos de la música folclórica con otros de la música docta y religiosa.
En abril de 2008, la edición chilena de la revista Rolling Stone situó a este álbum en el cuarto lugar dentro de los 50 mejores discos chilenos de todos los tiempos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Cantata_de_Santa_Mar%C3%ADa_de_Iquique





1.Pregón (Luis Advis) 
2.Preludio instrumental (Luis Advis) 
3.Relato I (Luis Advis) 
4.Canción I (Luis Advis) 
5.Interludio instrumental I (Luis Advis) 
6.Relato II (Luis Advis) 
7.Canción II o [Vamos mujer] (Luis Advis) 
8.Interludio instrumental II (Luis Advis) 
9.Relato III (Luis Advis) 
10.Interludio cantado (Luis Advis) 
11.Relato IV (Luis Advis) 
12.Canción III (Luis Advis) 
13.Interludio instrumental III (Luis Advis) 
14.Relato V (Luis Advis) 
15.Canción letanía (Luis Advis) 
16.Canción IV (Luis Advis) 
17.Canción pregón (Luis Advis) 
18.Canción final (Luis Advis) 




Various Artists - Ghibli Orgel Collection (2009)

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Ghibli es un estudio de animación japonés, fué fundado a mediados de 1985,
por el prestigioso director Hayao Miyazaki y su colega Isao Takahata.
Esta es una colección de temas de las obras del famoso Studio Ghibli interpretadas
con la Music Box, esta musica les encantara a los niñ@s....y a los niñ@s grandes tambien.


CD1
1. Ponyo On The Cliff from Ponyo On The Cliff
2. Again - A thousand more from My Neighbor Totoro
3. Princess Mononoke - from Princess Mononoke
4. Country Road from Whisper of the Heart
5. Promise the world - from Howl's Moving Castle
6. In this city in Asia - from Badger
7. Mother's Ponyo on the Cliff by Sea ~
8. Be more like - [The Cat Returns
9. Earthsea - Teru no Uta more
10. Many times and always a thousand - from Spirited Away

CD2
1. My Neighbor Totoro - from My Neighbor Totoro
2. It is covered with more tenderness - from Kiki's Delivery Service
3. Nausicaä Requiem - from the Valley of the Wind from
4. A thing of the past
5. Stroll - from My Neighbor Totoro
6. Laputa Castle in the Sky - from Castle in the Sky
7. Love is a flower, the seeds you from Only Yesterday
8. A seaside town - from Kiki's Delivery Service
9. The inn to speak - from the Grave of the Fireflies
10. Carrying You - from Castle in the Sky



Anubia - Segredo a voces

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   El folk es un estilo consistente en hacer música actual partiendo de la tradicional.... y en esto han acertado plenamente Anubía con su disco de debut: "Segredo a voces".
   Anubía es una formación gallega, que nace como tal en el 98 pero que se viene gestando tiempo atrás... las seis miembros comenzaron a cantar en la formación folkrórica Cantigas e Agarimos. Durante varios años forjaron sus voces y en el 96 les llegó la oportunidad de participar en el debut del grupo Berrogüetto ("Navicularia") y después comenzarón a participar en los directos de este grupo... así se fue forjando la idea de Anubía, que nace con tal nombre en el 98 y que ahora en el 2001 ha decidido iniciar su propio rumbo musical.
   Estas seis mujeres son pandereteiras... mujeres que dominan la voz y la pandereta... unas voces cristalinas, bien afinadas, que tienen un inconfundible sabor gallego y que se complementan entre si la a la perfección.
   Las primeras canciones de este grupo que escuché fue a través de un single adelanto de "Segredo a voces" donde me topé con una acierto total a la hora de unir tradición y modernidad... canciones elegantes, que sonaban modernas, pero que estaban construidas con instrumentos y sonoridades llegadas de la tradición... sus voces eran agua, torrente, claridad, ilusión y un punto de escepticismo.
   Ahora escuchando el disco completo me encuentro con lo mismo, pero con un conjunto que tiene algunos momentos irregulares, algo que no se notaba en aquellos cuatro temas, que eran cuatro dardos certeros.
   Con todo es un espléndido debut, con temas que bien pudieran ser auténticos éxitos... la introductoria "Cantarea" con las voces acapella, "H20" con los arreglos más bonitos del disco , "Clave de ferreña", la preciosa y vitalista "Nai", "Morenita", o "Arrabeira" con sonoridades árabes.
   Además para la grabación del disco han contado con colaboradores de lujo... casi toda la formación de Berrogüetto aportando sus instrumentos, Pablo Pérez encargándose de definir los arreglos, Guillermo Fernández y Guadi Galego (también de Berrogüetto) componiendo un tema y Pancho Álvarez, quien fuera fundador de Na Lúa y Congrío (y actualmente en la banda de Carlos Núñez) en las labores de producción.
   En definitiva, un disco bonito, elegante, moderno y que reclama la tradición como cimiento para mirar al futuro





01 - Cantarea
02 - H2O
03 - Caótico
04 - Frimamento
05 - Sexto misterio
06 - Soñando
07 - San Salvador
08 - Clave de fereña
09 - Nai
10 - Noite ameigada
11 - Morenita
12 - Arrabeia



AUDIO | 30 SEGUNDOS

Nai


Kim Kashkashian - Hayren - Music Of Komitas And Tigran Mansurian

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Kim Kashkashian: Viola
Robyn Schulkowsky: Percussion
Tigran Mansurian: Piano and Voice

The music of Armenian composer Tigran Mansurian made its first ECM appearance on Alexei Lubimov’s Der Bote. Yet it wasn’t until violist Kim Kashkashian reflected deeply on her own Armenian roots that his sound-world, along with that of the nation’s treasure Komitas (a.k.a. Soghomon Soghomonian, 1869-1935), came into its deserved own. The result is a fortuitous one, not least because of Kashkashian’s unwavering dedication to her instrument and its limitless possibilities. Hayren interlocks Mansurian’s earthen sensitivities with Komitas’s visionary roots for a blend that is at once supra-paradigmatic and forged on a shared oral connection between those who perform and the very earth on which they stand. The program’s title deliberately evokes the poetic style much revered in Armenia, and the implications could hardly be more appropriate, for while Mansurian is like a brittle page, Komitas’s typography is bold and crisp.

Although the album is made up mostly of chamber pieces such as Havik, in which the viola seems on the verge of losing its foothold, surprises await us Mansurian not only takes to the piano but also adds his actual voice into the rippling waters of his surroundings. The polished arrangements encase every raw lullaby in a lantern, such that the quietude of songs like Garun a feels like the shadow of the dying light of Krunk. His is not a voice to be praised for its technical prowess, but one to languish in for its unabashed descriptiveness. Mansurian seems to mimic Kashkashian’s gravelly emotions, if not the other way around. This is music that flirts with pitch as the wind might with a tree branch: no matter how much it bends, its essential form remains intact. One can say the same for Chinar es, which feels on the verge of utter collapse from the weight of its openness. And it is a fine musician indeed who can become even more vocal in her instrumental rendition of Krunk, which while timorous is by virtue of its lilt a caress on whatever part of the brain is activated when we read moving literature. After an alluring piano solo in Oror, sounding for all like a plaintive interlude in an Eleni Karaindrou soundtrack, Kashkashian and percussionist Robyn Schulkowsky untie every subtle knot to be found in Mansurian’s Duet for viola and percussion. What starts as a soulful postlude burrows into an 18-minute cavern of living darkness. The melodies are self-aware, dented by marimbas and gongs, and point like a compass needle to the truest north that is incantation.








1. Tigran Mansurian. Havik (4:50) 
2. Komitas. Garun a (3:22) 
3. Krunk (2:23) 
4. Chinar es (2:20) 
5. Krunk (2) (2:28) 
6. Hov arek (2:41) 
7. Hoy, Nazan (2:29) 
8. Krunk (3) (2:19) 
9. Tsirani tsar (3:08) 
10. Oror (2:33) 
11. Antuni (5:51) 
12. Oror (2) (1:30) 
13. Tigran Mansurian. Duet for Viola and Percussion (18:22)

Africa Express Presents -The Orchestra of Syrian Musicians And Guests

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Damon Albarn and Africa Express organized this concert with 50 musicians from the Syrian National Orchestra. Featuring Julia Holter, Albarn, and others, it reaffirms that art at its best is a gesture of empathy.

The Syrian Civil War started five years ago, following the violent response of Bashar al-Assad’s security forces to protests in the southern city of Deraa. Nationwide opposition demanded Assad’s resignation, which was met by swift and violent governmental retribution. In the years since, the violence has widened to an unimaginable scope: a multi-front conflict with numerous international and domestic players vying for control or stability of the region. In April, a UN envoy estimated that as many as 400,000 have been killed as a result of the conflict, and millions of Syrians (some estimates say 11 million) have been displaced from their homes, becoming the subject of a global refugee crisis.

In the election cycles of the past year, Syrian refugees have been used as a scapegoat by any number of demagogues to stoke fear in people that their communities and jobs will be threatened by a slow encroaching wave of “otherness.” Just two days after the British people chose to leave the European Union in a controversial referendum colloquially known as Brexit, in London at the Southbank Centre’s Royal Festival Hall, Damon Albarn and the music collective Africa Express organized a concert with 50 musicians from the Syrian National Orchestra. (Damon Albarn recorded with the Syrian National Orchestra for the Gorillaz’ 2010 album Plastic Beach, beginning a longstanding love affair with the region’s music.) Many of the musicians in this venerable troupe have been scattered across the globe, stranded behind miles of red tape.

The event almost didn’t happen. A week before the rehearsals for the concerts were supposed to begin, it wasn’t yet clear if the organizers were going to be able to get Schengen visas for the 50 Syrian musicians to secure flights. The Guardian mentions “dark rumors about desperate calls to British officials”; apparently Africa Express co-founder Ian Birrell chartered a Boeing 737 for the musicians.

But it did happen, and the concert is finally being offered as an album. During a year when multiculturalism and globalism enduring a severe, sustained battering, the Syrian National Orchestra help prove that beauty, and true sublimity in art can exist even in the most pernicious and divisive of atmospheres. For those who celebrate the heterogenous, open-armed, and loving embrace of a global music community, this two-hour-plus concert one June night in the Royal Festival Hall represents a kind of small victory, as well as an incredible night of music.

The musical canvas for the project is vast. There is a traditional string orchestra onstage, accompanied by players of Arabian instruments like the ney (a kind of flute), string instruments like the qanun, zither, oud, and kora. In front of this assemblage are performers like Damon Albarn, Julia Holter, Paul Wells, and more. One of the first things you notice, listening, is the gobsmacking virtuosity of the players involved. In the thirteen minute track “Al Dahleh,” stand outs like ney player Moslem Rahal and Feras Charestan on the Arabian lap harp display stunning technical prowess. The performance is met with multiple ovations, and as an exercise in technical genius it is astounding. This group of players hadn't seen each other in years, and they cohere seamlessly.

Elsewhere, Julia Holter’s “Feel You” (a track from her resonant 2015 LP Have You in My Wilderness) is transformed by the presence of the Syrian orchestra. Here, it is more than just a piece of lush orchestral pop; it is a cross-cultural paean, proving collaborators who don’t share the same worldly experience can radically transform a piece of art, often for the better. Damon Albarn told The Guardian when organizing this event he said he was disappointed by the rhetoric surrounding the crisis as a “homogenous shadow” to be feared. What he wanted to do with this event is to show an audience the “experience to humanity” that these refugees can express in their art. Some of these musicians still live in Syria, dodging danger so they can continue to practice. Defying all bureaucracy, borders, and strife, this concert and this orchestra proves that art at its very best is a grand gesture of empathy above all.





  1. Intro – The Orchestra of Syrian Musicians
  2. 3azely – The Orchestra of Syrian Musicians
  3. Wild Wood – Paul Weller & The Orchestra of Syrian Musicians
  4. Yah Mahla El Fus’ha – Faia Younan & The Orchestra of Syrian Musicians
  5. Out of Time – Damon Albarn & The Orchestra of Syrian Musicians
  6. Rakeb 3al Hamra – Mounir Troudi & The Orchestra of Syrian Musicians
  7. Feel You – Julia Holter & The Orchestra of Syrian Musicians
  8. Al Ajaleh – The Orchestra of Syrian Musicians feat. Bassekou Kouyaté & Seckou Keita
  9. Blackbird – The Orchestra of Syrian Musicians feat. Damon Albarn & Paul Weller
  10. Old Damascus – The Orchestra of Syrian Musicians
  11. Richa – Noura Mint Seymali & The Orchestra of Syrian Musicians
  12. White Flag – Damon Albarn & The Orchestra of Syrian Musicians feat. Eslam Jawaad, Malikah, Ceza & Bu Kolthoum
  13. Ya Rayeh – Rachid Taha & The Orchestra of Syrian Musicians
  14. Oghneyat Men Baladi – The Orchestra of Syrian Musicians

Al Jawala - Hypnophonic

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Mit ihrer Do-it-yourself-Philosophie ist die Deutsch-Französische Band Äl Jawala seit ihrer Gründung im Jahr 2000 erstaunliche Wege gegangen.
Sie waren damals unter den Ersten, die Club Beats und Hip Hop mit wilden, orientalischen Bläsersätzen kombinierten. Und das völlig ohne Elektronik - denn sie tingelten als Strassenmusiker vom Süddeutschen Freiburg aus durch halb Europa und entfachten auf unzähligen Trommeln und zwei Saxophonen das Feuer einer ganzen Gypsy Brass Band.
Inzwischen rocken Äl Jawala Konzertbühnen vom Atlantik bis zum Schwarzen Meer und scharen selbst nach dem Höhepunkt des sogenannten “Balkan Hypes” eine stetig wachsende Fangemeinde um sich. Sie tourten bis nach China, Jordanien und Kanada und steuerten unlängst einige ihrer Songs zum Soundtrack der MTV Reihe "Rebel Music" bei.
Balkan Big Beats nennen sie ihren Stil - Fat Boy Slim trifft Folklore! Die virtuosen Saxophon-Bläsersätze, gepaart mit Dance-Beats und fetten elektronischen Bässen, bringen sämtliche Tanzflächen zum Kochen. Mal urban und Club-orientiert mal geheimnisvoll, dunkel und mit einer dicken Dosis Rock ´n´ Roll Attitüde, liefern Äl Jawala eine einzigartige Mischung aus Party und Konzerterlebnis. Bedingungslos tanzbar, laut und zügellos, ohne dabei musikalischen Tiefgang und Facettenreichtum zu verlieren.
Äl Jawala spielen geschickt mit Klischees und verschiedenen Genres. Aus Gegensätzen und Spannungen erschaffen sie einen völlig eigenen, universellen Sound. Dabei entsteht etwas Elementares, Übergreifendes, das unterschiedlichste Menschen zusammen bringen und in kollektive Tanz-Ekstase versetzen kann - egal ob Balkan Party, Jazzclub oder Rock Festival.


https://aljawala.bandcamp.com/



1. Wake Up 03:04
2. Al Bint El Chalabiya (feat. Bayan Faroun) 03:20 
3. Road to Eldorado (feat. Rukie) 04:56 
4. Voodoo Rag (feat. Rukie) 04:28 
5. Heart Overload 04:05 
6. Satellite (feat. Rukie) 04:32 
7. Dancefloor Dervish 04:06 
8. What do you care? 05:26 
9. Intergalactic Medusa (feat. Flo Mega) 03:32 
10. Djanto (feat. Mamoudou Doumbouya) 03:51 
11. Be Anybody 03:29 
12. Circles 04:31






Akino Arai - Sora no Mori (1997)

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Akino Arai (新居昭乃 Arai Akino) es una cantante japonesa (aunque también compone y escribe letras), más conocida por sus trabajos en anime como Outlaw Star, Noir, Macross Plus, muchos otros. Nació el 21 de agosto de 1959, en Tokio.
Ha actuado con Yōko Kanno, ZABADAK, Samply Red, Yayoi Yula, y una vez estuvo en un grupo llamado Marsh-Mallow. Arai debutó en 1986, con la canción "Beautiful Star".
"Voices", de Macross Plus, es posiblemente la canción más famosa de Arai hasta la fecha.





01. Hoshi no Ame
02. Haruka na Rondo
03. Moon Light Anthem ~Enju 1991~
04. Mikazuki no Shindai
05. Kooru Suna
06. Kaze to Tori to Sora ~reincarnation~ 07. Adesso e fortuna ~Honoo to Eien~
08. VOICES
09. Kiniro no Toki Nagarete
10. Lição do Vento
11. Utawanai Uta
12. Tsuki Kara no Inori to Tomoni
13. Siva ~Tatazumu Hito~
14. Mikazuki to Watashi
15. WANNA BE AN ANGEL


Ali Project-Violetta Operetta

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Ali Project 蟻プロジェクト (también conocidos mayúsculamente por: ALI PROJECT) es un grupo musical japonés con una fuerte imagen Gothic Lolita, de los grupos más famosos de ese estilo en Japón y cuyos integrantes son Arika Takarano (宝野アリカ Takarano Arika?) (vocal y lírica) y Mikiya Katakura (片倉三起也 Katakura Mikiya?) (música y arreglos). Debutaron en 1988 con el nombre Ari Project (蟻プロジェクト Ari Purojekuto?) con su álbum Gensō Teien (幻想庭園?). En 1992 cambian el nombre del grupo y hacen su mayor debut con su sencillo Koi-seyo otome (恋せよ乙女?). Muchos de sus discos son lanzados por Toshiba-EMI, Victor Entertainment y Tokuma Japan.

Presenta una combinación de música clásica y moderna. Arika Takarano tiene su tipo de voz muy cercana al Soprano. Los violines, el teclado, el piano, y en ocasiones orquestas son sus componentes musicales. En sus inicios se destacó en el género de rock progresivo. Pero ya en la actualidad destaca más en pop barroco, rock progresivo, rock sinfónico, neoclassical (darkwave), jpop con toques de electropop, y dark rock. Tiene una gran influencia de la música clásica, incluso toma algunas partes sinfonías de músicos como Mozart, Chopin, Prokofiev, Bach, Lizt, Brhams, etc. para incluirlas en sus canciones La mayor parte de sus registros son liberados por Toshiba-EMI, Victor Entertainment y Tokuma Japan.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ali_Project




01.遊蝶花(パンジー)ワルツ (Yuuchoka (pansy) Waltz) "El vals de la violeta tricolor"
02.恋は芸術気質 (Koi wa geijutsu kishitsu) "El amor es un temperamento artístico"
03.修道院の廃庭にて(Shuudoi no haitei nite) "En el jardín abandonado del monasterio"
04.L'Amour Looks Something Like You "El amor luce algo como tú"
05.すみれの花咲くころ (Sumire no hanasaku koro) "Cuando brota una violeta"
06. Tico Tico no Fubá "Tico-tico en la harina de maíz"
07.小夜すみれ~ある夜の森の小さなお話 (Sayo sumire~Aruyo no mori no chiisana ohanashi) "Violeta del atardecer ~El pequeño relato de una noche en el bosque"
08.少女忌恋歌 (Shoujo Irenka) "La canción de amor prohibido de las chicas"
09. Das Veilchen "La violeta"
10.星菫 (Hoshi sumire) "Violeta estrella"


ALA.NI ‎– You & I

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De origen de Granada ( país que no ciudad española) , criada en Londres y con enorme apego por Paris ALA.NI se ha embarcado en una suerte de retro soul un tanto especial ya que su base es el jazz vocal de los años 30 a 50 y los musicales americanos de tales datas pero adaptado de forma exquisita y genial a los tiempos modernos que corren

No es una mera artista de disco y obra de jazz vocal tan pulido y aséptico en busca de servir de canal sonoro para viejos financieros neoyorquinos ni snobs de whisky de malta. Tampoco forma parte soul fandanguero de chasquidos de dedos que se aplaude por las masas que no saben quién es Otis Redding. Ella es algo tan simple como ARTE EN ESTADO PURO Tras una carrera de corista , el año pasado se despacha con una serie de eps coincidiendo con la llegada de las estaciones del año (SPRING , SUMMER, AUTUMN AND WINTER) que desembocan en el lp de próxima aparición YOU AND I que los reúne con nuevas grabaciones en un formato especial de doble cd

DIVAS como JUDY GARLAND, LENA HORNE, ESTHER PHILLIPS, LAVERN BAKER, la admitirían sin lugar genero de dudas a su grupo de damas de sensibilidad extrema . No es jazz , ni es soul , ni blues ni gospel aunque si son parte de ella . Un recorrido por sonidos de eras de blanco y negro con la salvedad de que la ausencia de adornos y su tono minimalista los convierte en algo actual y más asequible en tiempos de la High Definition Visual.http://rockthebestmusic.com/2016/05/ala-ni-you-i-critica.html

Executive-Producer – Laurent Bizot, Thibaut Mullings
Flugelhorn – Graeme Flowers
Guitar, Bass Guitar – Rob Updegraff
Harp – Maria Christina Harper
Lacquer Cut By – SST MW
Lead Vocals, Backing Vocals, Steel Drums [Steel Pan], Percussion, Keyboards [Hohner Guitaret] – ALA.NI
Mastered By – Huntsmen Music Percussion – João Caetano
Photography By – Irina Kolesnikova
Piano – James Welland
Recorded By – Jonathan Tams
Recorded By, Mixed By – Stephen Sedgwick Written-By, Producer – ALA.NI




A1 Cherry Blossom 2:59
A2 Woo Woo 0:41
A3 Ol'Fashioned Kiss 2:52
A4 Come To Me 1:50
A5 Suddenly 3:14
A6 One Heart 2:31
B1 Roses & Wine 2:42
B2 Planet To Your Sun 0:58
B3 Darkness At Noon 3:51
B4 I'll Remember 2:23
B5 To The River 2:39
B6 Circle 3:15


Khusugtun - Ethnic Ballad Group

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 “Khusugtun” es una banda originaria de Mongolia, fundada en 2009 bajo la “National Folk Song and Dance Academic Ensemble”.

El objetivo principal de la banda, es el de acercar la música popular de mongola, a todo el resto del mundo, “Nos sentimos inspirados por nuestra ascendencia nómada y por nuestra civilización histórica”.

Aparte de los instrumentos tradicionales de su cultura que estos mongoles utilizan, lejos lo que más llama la atención, es la forma cómo hacen trabajar todo el aparato fonador a la hora de cantar. Al escucharlo, se puede apreciar cómo logran una suerte de vibrato con sus cuerdas vocales, causando un efecto de sobretono bastante “freak” para los que desconocemos esta técnica folclórica originaria de Mongoli





1Toroi Bandi 



2Four Springs 



3For Daughter 



4Golden Martin 



5Torguud Land 



6Three Toom 



7Mongol 



8First Snow 



9Samgaldai 



10Shoferkhon 



11Altargana 



12Khusugtun 

Yu Hong Mei - Erhu Chant

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Yu Hong Mei
Yu Hong Mei has won many awards during her brilliant career. Most recently, she won the China Golden Record Award for Best Solo Recording. She is the recipient of the Pro Musicis International Award in New York City (2001). She is the first Chinese musician to win the coveted Indie Award (1999) in the category of Best Traditional World Music for the CD String Glamour. Another solo CD, Red Plum Blossom Capriccio, won the Best Chinese Musical Art Production in 1998. Her other awards include the 1989 Chinese Traditional Music Competition for Erhu and the 1997 Taipei Concerto Competition
Yu Hong Mei was a soloist with the Chinese National Traditional Orchestra on their 2000 American Tour. Later that year, the same orchestra went to Paris for the China Cultural Arts Concert. She has given several solo and concerto concerts with other prestigious groups such as the China Philharmonic Orchestra, the China National Symphony Orchestra and the Chinese Traditional Orchestra of Hong Kong. She has participated in numerous national and international festivals, such as the International Computer Music Conference in Hong Kong (1996) and in Beijing (1999), the Art Festival of Macao, the Kurashiki International Music Festival in Japan, Beijing Modern Music Week, and many more.
She has introduced Chinese music to audiences in such prestigious concert halls as Avery Fisher Hall and Carnegie Hall in New York, the Eisenhower Theatre at the Kennedy Arts Centre in Washington DC, Chicago Symphony Orchestra Centre, Davis Symphony Hall in San Francisco, Symphony Hall, Boston, and the Theatre des Champs-Elysees in Paris She has always been highly praised for her wonderful performances.






1. Yu Hong Mei - Idyllic tune (8:00)
2. Yu Hong Mei - Weeping river of sorrow (8:08)
3. Yu Hong Mei - Celebrating the harvest of grapes (5:11)
4. Yu Hong Mei - Ode to Shanmenxia Gorge (9:16)
5. Yu Hong Mei - Birdsong echoing in a quiet valley (3:53)
6. Yu Hong Mei - A bunch of flowers (8:59)
7. Yu Hong Mei - Moon reflected in the Twin-spring Lake (7:27)
8. Yu Hong Mei - Ballad of North Henan Province (10:03)


Various Artists - Han Soldiers

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La dinastía Han fue la segunda dinastía imperial de China, (206 aC-220 dC), precedida por la dinastía Qin (221-206 aC) y sucedida por el período de los Tres Reinos (220- 280 dC). Que abarca más de cuatro siglos, el período Han se considera una edad de oro en la historia de China. A día de hoy, En China el grupo étnico mayoritario se refiere a sí mismo como el pueblo Han y la escritura china se conoce como caracteres Han. fue fundada por el líder rebelde Liu bang , y brevemente interrumpido por la dinastía Xin (9-23 dC) de la ex regente Wang Mang. Este interregno separa la dinastía Han en dos períodos: el Han del Oeste o ex Han (206 aC - 9 dC) y la dinastía Han del Este o posterior Han (25-220 dC).

Con el fin de expresar mejor esta identidad se graba esta obra épica musical, para la grabación de este álbum han invitado a decenas de músicos. Chang Jing tocando el GuZheng, Jiang Yan el laúd chino, Mu Xiangzheng Sanxian, el maestro Du Cong shakuhachi, flauta, flauta de bambú, la percusión de Shang Wei, La Orquesta Sinfónica Nacional de China, coro de la Filarmónica China, y otros músicos de la Universidad de Beijing.



01 韩信拜将 Han Xin Will Worship
02 背水为营 Back Water For The Camp
03 四面楚歌 Eexposed To Attacks On All Sides
04 木罂渡军 Cross The Army Wood Trader
05 伪游云梦 Pseudo Cloud Dream
06 韩信点兵 Han Xin Point Soldier
07 霸王别姬 Farewell My Concubine
08 半渡而击 Half Crossing And Blow
09 十面埋伏 Ambush On All Sides
10 明修栈道 Repairing The Plank Road

Ash Dargan - Wirrimbah

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Ash Dargan is an indigenous Australian didgeridoo player. He is a member of the Larrakia people but did not find out about his aboriginality until he was 21. He teaches and performs all over the world. He is a former member of Coloured Stone, appearing on their 1999 album Rhythm of Nature.





1. Ghost Story
2. Yirrakala
3. Dinga (Stone)
4. Bora (Initiation Ceremony)
5. Bullfrog
6. Spirit Song
7. Narkindie (Cave)
8. Arinya
9. Birubi (Southern Cross)
10. Kaoota (Evening Dance)
11. Yamanalee (Digging Song)

M. Ostermeier - Tiny Birds

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You would be hard pressed to find an ambient composer/musician out there with a more clearly defined minimalist aesthetic than Baltimore-based M. Ostermeier.  He describes his compositions as often featuring “skeletal piano melodies that are augmented with electronics, acoustic recordings, and occasionally guitar”. True to that aesthetic, his most recent work draws inspiration from simple and elegant structures found in both the seen and unseen world, a propensity which perhaps has its origins in his background as a professor of chemical and biomolecular engineering.

In the case of Still, released on his own Tench label last year, the inspiration was architecture, a musical echo of the clean and spacious designs of the likes of Frank Lloyd Wright or Frank Gehry.  On his latest, about to be released by Home Normal, it is the marvelously lightweight and compact natural engineering of the humble bird.

    …amongst the gorgeous little melodies at play here, there is a careful depth of sound design from a variety of found sounds and field recordings…It is just the kind of album we love around these parts: namely, a work that takes its time to develop as it sees fit, without any need to rush to its restrained conclusion. – Ian Hawgood

Marc Ostermeier ProfileIndeed this collection of 13 songs and sketches has a real integrity of style and purpose throughout effectively creating a miniaturized world for the listener to inhabit, a sonic menagerie of rustling creatures that flit and skitter about. It comes across as a sort of musical origami and is equally enchanting. The piano lines themselves are exquisite, straddling modern classical and jazz motifs in a way that should appeal to fans of either genre while also pleasing the ambient music crowd who will appreciate the sound design, stillness and abstraction that permeates the entire captivating journey.

An added bonus is the appearance of Christoph Berg (aka Field Rotation) on the opening pair of tracks. He adds a pleasantly surprising element of additional beauty in just the right measure for this particular album, but it makes for a tantalizing prospect should the artists consider expanding this partnership in the future.







1. Glide 02:07 
2. Of A Feather 02:08 
3. Rafters 02:30 
4. Watcher 01:51 
5. Duo 03:25
6. Flutter 01:46 
7. Flying South 04:07 
8. Head Cut Off 01:12
9. Nesting 04:04 
10. Caged 01:55 
11. Skitter 03:04 
12. Twin Crested Peaks 02:19 
13. Albatross 03:51





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